El viernes 16 de noviembre se celebra Museos de Medianoche en todo Chile, y el eje Lastarria – Forestal en Santiago, agrupado bajo lo que es Barrio Arte, ofrecerá un barrio entero para disfrutar. Se trata de una serie de exposiciones, novedades musicales y recorridos históricos en Centro GAM, MAVI, Museo Nacional de Bellas Artes, Galería de Arte Posada del Corregidor, tienda y galería Flach, Espacio O, Casa O, Galería Cima, Centro de Arte Alameda, Colmado Coffee & Bar y Plop! Galería.

Viernes 16 de noviembre de 2018
18.00 a 00.00

Algunas de las exposiciones que se podrán visitar son:

Centro Cultural Gabriela Mistral GAM
Visitas guiadas por la exposición «La Casa Lobo» de León & Cociña

Museo de Artes Visuales MAVI
«El Autodidacta» de Álvaro Oyarzún, «Seguidores del Diluvio» de Cristóbal Cea, «Número Especial 2 Colección MAVI» de Mario Fonseca y Enrique Zamudio

Museo Nacional de Bellas Artes MNBA
«Movimientos de Tierra», documental  con Hamish Fulton, Cecilia Vicuña, Patrick Steeger, José Manuel Délano, Cristián Velasco y Catalina Correa

Casa O Lastarria
Performance del Museo del Hongo con Especie Axial y Elisita Punto

La Berlin Biennale for Contemporary Art se complace en anunciar el nombramiento de los curadoras María Berríos CL, Renata Cervetto (AR) , Lisette Lagnado (BR) y Agustín Pérez Rubio (SP/AR) para su próxima 11ª edición. Los miembros de este equipo intergeneracional de curadores sudamericanos se reúnen en una constelación de cuatro voces para trabajar hacia la 11ª Berlin Biennale, que tendrá lugar en el verano del 2020.

El comité de selección internacional para la curaduría de la próxima Berlin Biennale estuvo compuesto por Doryun Chong (subdirector y curador principal en M +, Hong Kong), Adrienne Edwards (curadora Engell Speyer Family  y curator de Performance en el Whitney Museum of American Art, New York) , Reem Fadda (curadora independiente, Ramallah), Solange O. Farkas (directora y curadora en la Associação Cultural Videobrasil, São Paulo), Omer Fast (artista, Berlín), Krist Gruijthuijsen (director en el Instituto KW para el Arte Contemporáneo, Berlín), y Miguel A. López (co-director y curador en jefe de TEOR / éTica, San José).

La Kulturstiftung des Bundes (German Federal Cultural Foundation), que ha apoyado a la Berlin Biennale desde su cuarta edición como una de las «instituciones culturales de excelencia» de Alemania, continúa su asociación a largo plazo con la Biennale como principal financiador, brindando apoyo por la cantidad de tres millones de euros para la 11ª edición.

De los curadores

María Berríos (Santiago de Chile, 1978) es socióloga, escritora, curadora independiente y cofundadora del colectivo editorial chileno VATICANOCHICO. Su trabajo atraviesa el arte, la cultura y la política con un interés especial en los experimentos colectivos del movimiento del Tercer Mundo y sus formatos de exhibición en los años 60 Y 70. Enseña y da conferencias regularmente en Europa y América Latina y ha publicado extensamente sobre arte y política en América Latina y otros lugares. Entre otros proyectos, Berríos curó con Lisette Lagnado Desvíos de la deriva. Experiencias, travesías y morfologías en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2010, y curó Nuestro desconocido, nuestro caos, nuestro mar en el Museo Experimental el Eco, Ciudad de México, 2014) y Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre,junto a Amalia Cross en MAVI – Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile, 2017). Berríos se ha involucrado en varios proyectos en colaboración, entre ellos The Revolution Must Be a School of Unfettered Thought (junto al artista Jakob Jakobsen for the 31st Bienal de São Paulo, 2014). Ella es una colaboradora en curso delHospital Prison University Archive (Copenhague, 2016 hasta la fecha), un proyecto  y estación de radio dirigida por el mismo Jakob Jakobsen en el edificio donde él y Berríos viven juntos con su hijo Teo de tres años, quien cree que es un ninja.

María Berríos
Fotografía: Nikolaj Thaning Rentzmann

Renata Cervetto (Buenos Aires, 1985) tiene una curiosidad constante por las prácticas artísticas en diálogo con la lengua, el espacio público y las memorias corporales. Ha investigado los programas pedagógicos de las bienales del Mercosur y São Paulo, investigando cómo el desempeño puede resultar en una mediación crítica y las posibilidades de negociación y debate que ofrece en diferentes contextos. En 2013–14, Cervetto participó en el Programa Curatorial De Appel en Amsterdam, seguido de una beca para desarrollar un programa público de un año en De Appel en 2014. Esto también incluyó una compilación de su investigación en The Fellow Reader # 1. Sobre el boicot, la censura y las prácticas educativas (De Appel, 2015). De 2015 a 18, coordinó el departamento de educación del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Cervetto coeditó la publicación Agítese antes de usar. Desplazamientos educativos, sociales y artísticos en América Latina (TEOR / éTica, San José, y MALBA, Buenos Aires, 2017, con textos de Lisette Lagnado, entre otros) junto con Miguel A. López. En los últimos años, ha estado explorando cómo se puede desarrollar la conciencia (o autoconciencia) a través de ejercicios poético-pedagógicos.

Retrato de Renata Cervetto es cortesía de la BB11
Fotografía por Pedro Agilson

Lisette Lagnado (Kinshasa, 1961) es una investigadora, crítica de arte y curadora independiente interesada en estrategias para colaborar con sociólogos y arquitectos en el espacio público. Cuando era niña, nunca entendió por qué las personas vivían en las calles y pasaban el tiempo hablando con ellas. Fue curadora en jefe de la 27ª Bienal de São Paulo «Cómo vivir juntos» (2006) y curó Desvíos de la deriva. Experiencias, travesías y morfologías junto con María Berríos (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2010). Sus proyectos recientes incluyen Rivane Neuenschwander: The Name of Fear | Río de Janeiro (Museu de Arte do Rio (MAR), Río de Janeiro, 2017) y León Ferrari, Por un mundo sin infierno (Galería Nara Roesler, São Paulo y Nueva York, 2018). En 2014, Lagnado se convirtió en director y curador de programas públicos de la Escuela de Artes Visuais do Parque Lage en Río de Janeiro, un cargo que ocupó hasta 2017. Lagnado Agnado fue coeditor de las revistas Arte em São Paulo (1981–89) y Trópico (2001–11) y contribuyó a los catálogos de exposiciones de Arthur Bispo do Rosario, Dominique Gonzalez-Foerster, Laura Lima, Gordon Matta-Clark, Virginia de Medeiros, Cildo Meireles, Ahlam Shibli, Tunga y Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, entre otros. En 1993, junto con amigos y familiares del artista José Leonilson, estableció el Projeto Leonilson, con sede en São Paulo, que supervisa su patrimonio; ella también curó su primera retrospectiva Leonilson: são tantas as verdades (Galería de Arte do SESI, São Paulo, 1995). Lagnado coordinó el Programa Hélio Oiticica, un archivo en línea de los escritos de Hélio Oiticica (Instituto Itaú Cultural, 1999–2002). Lagnado es actualmente miembro de la Asociación Cultural Videobrasil, São Paulo.

Retrato de Lisette Lagnado es cortesía de la BB11
Fotografía por Pedro Agilson

Agustín Pérez Rubio (nacido en Valencia en 1972) tiene una práctica curatorial e institucional relacionada con proyectos colaborativos, cuestiones de género y feministas, lingüística, arquitectura, política y perspectivas poscoloniales. En su primera infancia, estaba fascinado por el maquillaje, pelucas y vestidos de su madre. Fue director artístico del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA, 2014–18) y curador en jefe y director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, 2003–13). Pérez Rubio curó numerosas exposiciones monográficas de Dora García (Vibraciones, MUSAC, 2004), Tobias Rehberger (I Die Every Day. 1 Cor. 15,31, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2005), Julie Mehretu (Ciudad Negra, MUSAC, 2006), Elmgreen & Dragset (Intentando recordar lo que una vez quisimos olvidar, MUSAC, 2009), Superflex (Working Title: A Retrospective Curated by XXXXXXX, Kunsthal Charlottenborg, Copenhague, 2013), Rosângela Rennó (Todo lo que hace No se muestra en las imágenes, Centro Atlántico de Arte Moderno – CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, 2014), Idea General (Broken Time, Museo Jumex, Ciudad de México, 2015), Claudia Andujar (Marcados, MALBA, 2016), y Mirtha Dermisache (¡Porque escribo !, MALBA, 2017). También ha comisariado exposiciones colectivas, incluyendo Primer Proforma 2010. Badiola Euba Prego. 30 ejercicios 40 días 8 horas al día (MUSAC, 2010), Memorias no borrables (Sesc Pompeia, São Paulo, 2014) y Experiencia infinita (MALBA, 2014). Pérez Rubio fue recientemente nombrado curador del Pabellón de Chile para la Biennale di Venezia en 2019, donde presentará la obra del artista Voluspa Jarpa. Actualmente es miembro de la junta de CIMAM y miembro de la junta asesora de la Bienal de Estambul.

NICOLE L’HUILLIER IRÁ AL CERN/
CERN, la Organización Europea para la Investigación Nuclear; ALMA, Atacama Large Millimeter Array; ESO, el European Southern Observatory; Pro Helvetia y la Corporación Chilena de Videoy Artes Electrónicas, CChV , lanzan en conjunto el programa de residencias artísticas «SIMETRÍA» con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile.

Este programa da la oportunidad a un artista chileno de viajar a Suiza, así como a un artista suizo viajar a Chile para realizar residencias artisticas tanto en Arts at CERN como en ALMA y Paranal, y tiene como finalidad potenciar el intercambio interdisciplinario entre artistas y científicos que trabajan o residen en Chile y Suiza. «SIMETRÍA», combina así la estadía de 2 artistas en 3 de los centros de investigación científica más fascinantes del mundo: el Gran Colisionador de Hadrones, CERN, en Ginebra, Suiza, y los observatorios astronómicos en Chile: ALMA y el VLT de Cerro Paranal.

Para esta primera residencia, «SIMETRÍA» se complace en anunciar a los artistas seleccionados: el artista multidisciplinario suizo Alan Bogana y la artista multimedial chilena con base en USA, Nicole L’Huillier.
La experiencia busca conectar a los artistas con la comunidad de físicos e ingenieros para que penetren e indaguen en los desafíos de la ciencia contemporánea, a través de las avanzadas tecnologías que exploran y observan la naturaleza.

Hubert Fichte (1935-1986) fue un autor y etnólogo alemán cuya obra oscila entre la poética subjetiva (auto-) observación y las descripciones científicas de sus objetos de estudio, entre los estudios Queer  y los estudios post-coloniales. Nació en 1935 en Perleberg como hijo de una pareja germano-judía y pasó la mayor parte de su infancia en Hamburgo. Su biografía está marcada por la experiencia de la Segunda Guerra Mundial con la evacuación de niños en Baviera y Silesia y las discriminaciones sufridas por ser «medio judío» según las leyes de Núremberg que regían durante el Tercer Reich.

El encuentro precoz con la fotógrafa Leonore Mau (1916-2013), a la que conoció ya en 1950 cuando estudiaba teatro y actuaba en el Theater im Zimmer de Hamburgo, fue decisivo para la creación de Fichte. Su amistad se transformó en una relación profesional y personal que los llevó a viajar por todo el mundo entre 60 y 80 con el proyecto común de encontrar nuevos accesos a la etnología mediante la observación, la escritura y la fotografía. La pareja hizo trabajos de investigación en países como Brasil, Argentina, Chile, Haití, Tanzania, Etiopía, Burkina Faso, Senegal, Trinidad y la República Dominicana.

Según Fichte el reto de la etnología moderna consistía en superar el carácter colonial de las formas establecidas del saber en la antropología y la etnología, así como sus políticas supuestamente racistas. Esta difícil tarea lo llevó a veces a los límites de su trabajo y de sus accesos a los objetos de investigación respectivos, ya que Fichte nunca dio con el método claro o incluso una perspectiva fiable, lo que que buscó intensamente entre la observación y la escritura.

«Amor y etnología» es un proyecto realizado por el Goethe-Institut y la  Haus der Kulturen der Welt, a desarrollarse entre el 2017 y 2019, con el apoyo de la S. Fischer Stiftung, el S. Fischer Verlag y numerosas contrapartes, varias exposiciones y presentaciones en Lisboa, Salvador de Bahía, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Dakar, Nueva York y Berlín.

Hubert Fichte: Love and Ethnology toma como punto de partida el extenso ciclo de novelas Die Geschichte der Empfindlichkeit (La Historia de la Sensibilidad) del etnólogo y escritor, escrito entre los años 1970 hasta su muerte en 1986. Fichte logró terminar en gran parte 19 de los 24 tomos previstos, otros cinco quedaron incompletos o siguen desaparecidos.

Dento del contexto y programa de «Amor y etnología» es que llega a Chile Suprasensibilidades, muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes que revisa la visión de Fichte cuando visitó Chile en 1971, momento en que se entrevistó personalmente con el Presidente Salvador Allende. Además, para la ocasión se reúnen dos textos de Fichte en «Chile: Experimento por el futuro», Santiago de Chile, Ediciones Metales Pesados, 2018 : el viaje del autor desde Brasil a Chile vía Argentina, tomado de su novela Explosion de 900 páginas, y una presentación en radio que Fichte produjo para varias emisoras alemanas en 1971. Ambos textos incluyen una conversación idéntica con Salvador Allende, realizada en radio por Hubert Fichte, y en la novela por su alter ego literario Jäcki.

Seminario Suprasensibilidades

Las conversaciones del seminario Suprasensibilidades girarán en torno a cuáles fueron los aportes que nos dejaron hoy en día la mirada crítica de Fichte y su paso por el Chile de los 70s. Los invitados dialogarán sobre su método etnográfico de observación, y las nuevas herramientas para la discusión sobre la identidad, el género y los límites del lenguaje.

El programa es público y gratuito. Se desarrollará en Santiago en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos CNAC. Es moderado por el curador Mario Navarro y la investigadora Paz Guevara.

El conversatorio reúne destacadas figuras que estarán en Chile como Anselm Franke (jefe del departamento de artes visuales y cine del Haus der Kulturen der Welt en Alemania), Diedrich Diederichsen (autor alemán, periodista musical y crítico cultural), Amilcar Packer (artista visual, gestor cultural y curador independiente, residente en Brasil), el curador Rodolfo Andaur, Jorge Díaz, Gonzalo Díaz, Claudia del Fierro, Tamar Guimarães, Max Hinderer Cruz, David Maulén, Mario Navarro Cortés y Nelly Richard.

Seminario Suprasensibilidades : en torno a la figura de Hubert Fichte en Chile
Sábado 15 de Septiembre, 2018
15.00 a 19.15
Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos
Pedro Aguirre Cerda 6100, Cerrillos, Santiago.
*Entrada liberada

El Museo de Artes Visuales de Chile MAVI en conjunto con la Fundación Actual, entidad sin fines de lucro, han creado la BECA Fundación Actual MAVI con el fin de apoyar la producción para artistas de mediana carrera que busca fomentar el desarrollo del arte contemporáneo chileno, impulsando a artistas para que alcancen consolidación y reconocimiento en su labor.

Podrán presentarse artistas visuales chilenos, residentes en Chile, mayores de 35 años y menores de 55, al momento de postular. Deben ser artistas que se encuentren en etapa de producción (que hayan expuesto en forma individual o colectiva en los últimos 3 años).

Los artistas deberán postular con un proyecto de exhibición individual inédito para las salas 1 y 2 del Museo de Artes Visuales MAVI. En esta primera versión de la Beca la temática es libre y se admitirá únicamente proyectos expositivos con obras en formato bidimensional.

Fundación Actual es una entidad sin fines de lucro, creada por Inmobiliaria Actual, cuyo objetivo es apoyar el desarrollo de las artes visuales en nuestro país y acercar el arte a la ciudad y a las personas.

«Como Fundación Actual queremos ser un verdadero aporte al desarrollo del arte y una manera de hacerlo es dándole apoyo a los artistas. En ese sentido, existen varias iniciativas que impulsan las carreras de artistas emergentes y, por lo general, los consagrados tienen más posibilidades de vivir de su arte. Sin embargo, los de mediana carrera –a quienes está dirigida esta beca- a pesar de que puedan llevar más de 20 años ejerciendo su profesión, muchas veces tienen que dedicarse a otras actividades para poder solventar incluso los gastos que implican su producción artística. Es por eso que esta beca entregará apoyo económico a un artista de mediana carrera que se encuentre en etapa de producción para que pueda dedicarse a la creación de sus obras. También creemos que es una etapa importante para el reconocimiento a la trayectoria de un artista y un impulso para continuar dedicándose a su quehacer», explica Angélica Gellona, directora ejecutiva de Fundación Actual.

Por su parte, Cecilia Bravo, directora ejecutiva del MAVI, manifiesta: “nos sentimos orgullosos de gestar una nueva alianza con Fundación Actual la que nos permita fomentar el desarrollo de la creación de las artes visuales en Chile. Hace trece años que con éxito hemos premiado a artistas sub 35 con el Premio Arte Joven, hoy damos inicio a esta beca orientada a la siguiente etapa de la carrera con miras a contribuir a la consolidación de artistas que han demostrado un trabajo consistente y de trayectoria. Creemos en este sentido que las becas, concursos y premios son una herramienta clave tanto para los artistas como para nosotros como museo de reconocer la escena local y aportar en el fortalecimiento de esta.”

María Irene Alcalde, curadora de MAVI, manifiesta que para el museo es importante que haya un reconocimiento a artistas de mediana carrera, que se encuentren en plena producción artística. “Este premio viene a consolidar el trabajo realizado en el museo con los artistas nacionales pertenecientes a la generación mencionada, quienes están en general en un punto significativo de su producción, y al mismo tiempo sin suficientes reconocimientos ni incentivos, que habitualmente se concentran en los más jóvenes o en el grupo de los que están planeando exposiciones retrospectivas.”

Inscripciones:
http://fundacionactual.org/postulacion-landing
Entre el 1 de agosto y el 1 de octubre de 2018

El pasado Sábado 4 de agosto, se inauguró en el Parque Cultural de Valparaíso la exposición “Kangechi” del artista Sebastián Calfuqueo, curada por Mariairis Flores, que aborda la construcción de identidades a partir de obras que revisan los prejuicios y supuestos que nos modelan como sociedad.

“Kangechi” es una palabra del mapudungun que, en el caso del español, funciona como adverbio al referir la expresión “de otra manera” y como adjetivo al señalar “lo otro”.  Instalación, video y fotografía componen esta muestra que se pregunta por lo otro, al mismo tiempo que se vale de ese lugar para enfatizar lo minoritario, aquello que no responde a la norma y parámetros que se establecen socialmente para los sujetos. El trabajo de Sebastián Calfuqueo se caracteriza por trabajar desde lo biográfico, ya que son sus experiencias las que le permiten generar los cuestionamientos y establecer un vínculo con los espectadores, invitándolos a pensar sus propias historias, y con ello la conformación de sus identidades.

Calfuqueo, mapuche, homosexual y criado en Santiago, se vale de estas experiencias para reflexionar respecto a las identidades fijas que se articulan al momento de definir lo chileno y lo mapuche, deslizando una crítica a ambas nociones que en un reforzamiento identitario, excluyen a aquellos que no se acomodan a cierto ideal. Para su curadora, la exposición evidencia que el encuentro de dos mundos es un proceso constante que se genera en el cotidiano, puesto que cada individuo debe adaptarse socialmente, al mismo tiempo, que se modifica en su encuentro con los otros.

Kangechi – Sebastián Calfuqueo
4 de agosto – 16 de septiembre, 2018
Parque Cultural de Valparaíso, Sala Laboratorio
Calle Cárcel 471, Cerro Cárcel

El curador y gestor cultural alemán Klaus Biesenbach, fundador del KW Intsitute for Contemporary Art en Berlín y de la Berlin Biennale, es el nuevo director del MOCA Museum of Contemporary Art, Los Angeles.
Biesenbach empezó en el MoMA Museum of Modern Art, NY en 1996, para en el 2004 convertirse en curador en jefe del Departament of Media, y en el 2012 pasó al MoMA PS1 como director y curador en jefe.
La tarea del alemán en Los Ángeles no es menor al haber altas expectativas sobre las nuevas directrices y decisiones que se hagan bajo su liderazgo, luego de haber estado sin una cabeza al frente capaz de refrescar e instalar el arte y el diálogo contemporáneo necesario hoy en un museo de esas características.

Retrato por Casey Kelbaugh
Imágenes cortesía MOCA

“Pero no soy inglés y nunca lo seré. Conozco ambos lugares íntimamente, pero no pertenezco por completo a ninguno de los dos. Y esa es exactamente la experiencia de la diáspora; uno está lo bastante lejos para experimentar un sentimiento de exilio y de pérdida, y lo bastante cerca para entender el enigma de una arribada siempre pospuesta”. – Stuart Hall

En la Galería Fotografía Chilena del Centro Cultural Palacio La Moneda CCPLM  está en exhibición la muestra colectiva “Cambio de lugar”, curada por Montserrat Rojas Corradi y Mariagrazia Muscatello: oficina curatorial Mo-Ma.

La exposición se interroga sobre la migración y sus implicaciones simbólicas, más allá de los ciclos económicos, de guerras y de los desastres naturales que han obligado a diferentes grupos humanos al desplazamiento territorial y geográficos.

Hay múltiples formas de migración que tienen su base en la cultura del consumo como el turismo, el amor o de estudios profesionales, así como también existen micro-migraciones dentro del espacio urbano a través de los grupos sociales, lo que lleva además el traslado de establecimientos educacionales, transformaciones de edificios, monumentos etc.

Las obras  presentadas abordan el tema del cambio desde diferentes matices: el habitar y el morir en un lugar no nativo, la mirada de un extranjero a la historia y a los monumentos de otro país, la interrogación sobre la identidad nacional y profesional, el exilio y su implicaciones en la constitución de otros relatos humanos, el turismo como forma de movimientos masivos que conforman identidades temporalmente sin nación.

Los/as artistas exploran desde disímiles lugares, experiencias y generaciones la noción de la identidad y la migración. Algunos son chilenos y viven en Chile, otros han vivido o residen fuera del país, otros se nacionalizaron, lo que interpela la noción de identidad de manera profunda. Esta multiplicidad constituye otra perspectiva de pertenencia territorial y disciplinar, para interrogarse sobre cómo el habitar en otros lugares, físicos o profesionales, permite definir una geografía humana según una perspectiva de distancia, afectividad e ironía a la vez.

Así mismo el Centro Cultural Palacio La Moneda representa simbólicamente el lugar de la constitución de la identidad nacional por su connotación política y gubernamental. Interrogarse desde este lugar sobre las múltiples identidades que se constituyen a través de los cambios y movimientos humanos significa quebrar con la idea misma de una identidad cerrada y territorial.

Artistas:

Juan Castillo
Javier Chorbadjian
Claudia del Fierro
Bárbara Oettinger
Alejandro Olivares
Cristóbal Olivares
Celeste Rojas Mugica
Clara Salina

Hoy Viernes 4 de Mayo a las 19.30 horas, se inaugura en la Biblioteca Pública Pablo Neruda la obra  Sagrada de la artista María José Rojas para el proyecto “Aproximación Visual del Territorio”, curada por Andrés Grillo, proyecto que vincula Arte y Territorio en la Comuna de Independencia en Santiago, cuya acción nos plantea la necesidad vital de estar en contacto con la naturaleza, dado su poder de contenernos y de generar vida.

Independencia es la comuna que menos áreas verdes posee dentro del mapa capitalino, de ahí que la pregunta de la relación con la naturaleza cobre una relevancia mayor donde se insertan cuestiones de derecho: al paisaje, a la belleza, a la vida.

La instalación, dividida en dos partes, instala un texto sobre papel en la Biblioteca Pablo Neruda para dar realce a la lectura de la fuerza de la naturaleza, que contenida en el poder de la semilla y en el carácter exponencial de la semilla como unidad engendradora, puede exhibirse en la capacidad de la naturaleza de multiplicarse en patrones efectivos: la semilla es aquí logaritmo de vida y el crecimiento.

Por su parte, la intervención en el Antiguo Hospital San José tiene como propósito instalar una figura, heredera del esoterismo antiguo, una estrella tetraédrica realizada con elementos vegetales, y cuyo poder simbólico se dirige a la transformación y sanación colectiva como motivo activo conducente a la expansión de la vida.

María José Rojas (1974) es artista visual y medial, además de diseñadora teatral. Su obra se desarrolla e n la conjunción de estas tres disciplinas en los medios de instalación, video y obra-objeto. Las temáticas que la artista aborda nacen desde su inquietud espiritual por señalar aspectos invisibles o sutiles de la realidad, haciendo cómplice al espectador de un espacio de contemplación y conciencia de su percepción. Su obra se ha expuesto en Chile, Inglaterra, Polonia, Islandia, Suiza y Estados Unidos.

Sagrada – María José Rojas
Inauguración: Viernes 4 de mayo de 2018, 19.30 horas
Exhibición: 5 – 30 de mayo de 2018
Biblioteca Pública Pablo Neruda
Profesor Zañartu 1185, Independencia, Chile

Hasta el 30 de Abril estará en exhibición la muestra Poemas dentales Vol. 1  del artista visual Javier Mansilla en el Parque Cultural de Valparaíso.

Poemas dentales Vol. 1 

Del 5 al 30 de Abril, 2018
Sala Laboratorio

Parque Cultural de Valparaíso, Cerro Cárcel
Valparaíso, Chile

Sharon Van Overmeiren (1985, Amberes, Bélgica) recientemente completó el programa de residencia en Jan Van Eyck Academie, un instituto multiforme de bellas artes, diseño y reflexión en Maastricht. Su investigación se centra en la importancia y el linaje común de objetos mostrados en diversas composiciones, y en particular la relación e intersección entre los objetos y su expresión metafísica natural.

Los objetos se transforman en esculturas y se identifican como entidades funcionales. El funcionamiento de la mente humana como un mecanismo inevitable que conecta pasado, presente y futuro es un tema recurrente en su práctica. Van Overmeiren crea varias posibilidades para diferentes tipos de percepción creando y mezclando diferentes estados de ánimo y condiciones cerebrales. En su trabajo escultural, los objetos físicos parecen existir en contextos novedosos. ¿Los artefactos deben ser optimistas? Es una tarea bastante compleja intentar descubrir dónde puede estar el optimismo, ya que el objeto se puede percibir como perturbador pero, al mismo tiempo, transmitir un efecto positivo y estimulante.

Van Overmeiren tiene experiencia en Artes Visuales, con especialización en Escultura, completó su Master In Situ3 en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes (2009 – 2013). Durante el mismo período, desarrolló un interés particular en la escenografía, que siguió en paralelo con estudios de artes liberales In Situ3. En el 2017 completó los seis meses del Programa de Residencia Wiels en Bruselas, lo que resultó en una colaboración con Damien & The Love Guru donde presentó ‘The Happy Inn’, explorando imágenes encontradas que manipuló y reformó a través de varios medios tales como esculturas de cerámica, video, dibujos e instalaciones. Todos los objetos compuestos se ensamblaron en un sistema ordenado parecido a una matriz, en el que los elementos o entradas a los que aludía se referían a modelos abstractos habitados por criaturas extrañas.

En la edición del 2015 de Art Brussels participó en un proyecto expositivo titulado ‘120 Minutes’, una escultura performativa en forma de un proyecto de exhibición. En el mismo año presentó una instalación que bautizó ‘Shuffle Woe’ que consistía en una vitrina futurista de tamaño de pared de madera, objetos lustrosos de color pastel de cerámica, una escultura sonora y una proyección de video acompañada de esculturas geométricas, en su primera exposición individual en la Galería Annie Gentils en Amberes.

Van Overmeiren recibió el primer premio de LabO, un proyecto de arte iniciado por ChampdAction y de Singel que se mostró en una exhibición titulada ‘Time Canvas’ (2013) en el Museo de Arte Contemporáneo de MHKA en Amberes. En Hunting & Collecting, Bruselas, junto a Damien y The Love Guru invitaron a Filip Vervaet y Van Overmeiren a colaborar en la instalación ‘Ignorance is Strength’ (2014). Los objetos se muestran en el escaparate, integrados como elementos de la escenografía, acompañados de una imagen utópica en una representación mítica, mientras que las pistas insinuaban una crítica política. Otras exposiciones colectivas incluyen, ‘De Vierkantigste rchthoek’ (2014) en Kunsthal KAdE Amersfoort y Who ‘s Next’ (2009) curada por
el pintor belga Koen van den Broek.

Something Like A Phenomenon
Sharon Van Overmeiren
1 de Abril – 5 de Mayo, 2018
Damien & The Love Guru
Rue de Tamines 19 – 1060 Bruselas

La exposición itinerante Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 curada por Cecilia Fajardo Hill y Andrea Guinta con Marcela Guerrero, ex curadora del Hammer Museum, se inaugurará mañana Viernes 13 de abril, en el Brooklyn Museum, NY.

Esta es la primera exposición que explora las innovadoras contribuciones al arte contemporáneo de artistas latinoamericanas y latinas durante un período de extraordinaria experimentación conceptual y estética. Con más de 120 artistas de 15 países, Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 se centra en el uso del cuerpo femenino para la crítica política y social y la expresión artística.

Las artistas son pioneras de las formas radicales y exploran la sensibilidad femenina con vínculos abiertos o, más a menudo, encubiertos con el activismo feminista. Muchas obras se realizaron bajo duras condiciones políticas y sociales, algunas debido a las intervenciones de Estados Unidos en América Central y del Sur, que fueron complicadas por las experiencias de los artistas como mujeres.

Las obras en exhibición van desde pintura y escultura hasta fotografía, video, performance y media-art. Es posible de ver figuras emblemáticas como Lygia Pape, Ana Mendieta y Marta Minujín, junto con nombres menos conocidos como la pintora abstracta de origen cubano Zilia Sánchez; la escultora colombiana Feliza Bursztyn; la compositora, coreógrafa y activista peruana Victoria Santa Cruz; la artista argentina de mixed-media Margarita Paksa, la fotógrafa chilena Paz Errázuriz y la video artista chilena Gloria Camiruaga. La muestra de Brooklyn también incluye retratos nuyoricanos de la fotógrafa Sophie Rivera, así como obras de la pionera de las artes gráficas chicanas Ester Hernández, la cineasta cubana Sara Gómez y la activista y artista afro-latina Marta Moreno Vega.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 está organizada por el Hammer Museum de Los Ángeles, como parte del Pacific Standard Time: LA / LA, una iniciativa del Getty con instituciones artísticas del sur de California.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985
13 de abril – 22 de julio de 2018
Museo de Brooklyn
200 Eastern Parkway
Brooklyn, Nueva York 11238-6052

La galería ALMA ZEVI, muestra la primera exposición individual de Marcantonio Brandolini d’Adda en Estados Unidos. La galería con sede en Venecia está debutando en Nueva York con una exposición site-specific compuesta por una serie de esculturas abstractas de Marcantonio Brandolini d’Adda hechas de cristal de Murano. En exhibición del 23 de marzo al 25 de abril de 2018.

Este es el proyecto más grande y ambicioso de Marcantonio Brandolini d’Adda hasta la fecha. Todo hecho en Murano (Venecia) este año, las esculturas de vidrio se titulan indefiniti. Son composiciones con mucho cuerpo, y con superficies extremadamente viscerales que ruegan por ser tocadas. El peso sustancial de cada escultura le otorga una gravedad inherente y una inalterabilidad física. Un colorista sensible, el artista combina sin esfuerzo fragmentos de vidrio vívidos, llamados cotissi en el dialecto de Muranese. Estos se unen con el exterior de las obras para crear un paisaje rocoso: perfectamente liso en muchas facetas y tentadoramente nítido en otros.

Los trabajos desarrollados para esta instalación cuelgan del techo de cadenas de metal industrial que también se producen en Venecia. El artista subvierte las expectativas tradicionales del vidrio: belleza y fragilidad, y las converge con una estética brutalista. Hay un contraste entre la rugosidad de las cadenas, con sus matices de arte povera y la elegancia del vidrio. Las piezas colgantes están siempre en movimiento, balanceándose suavemente desde sus cables metálicos. Podrían entenderse como organismos vivientes que respiran, calientes y ardientes en su centro, mientras que la superficie del vidrio tiene el efecto de un revestimiento similar al hielo. La forma en que las esculturas capturan la luz es extraordinaria: la luz no solamente pasa a través de ellas, sino que además se refleja, refracta, contiene y moldea mediante los volúmenes del vidrio. Sumándose a la naturaleza majestuosa de las esculturas, el artista usa con confianza uno de los colores más fuertes de Murano: un color rojo sangre que es rico no solo en su tono como joya, sino también en sus asociaciones culturales, simbólicas y emotivas.

El impulso para esta colaboración en Nueva York fue un paso natural para ALMA ZEVI, que con frecuencia ha desarrollado proyectos internacionales en estrecha colaboración con los artistas. La galería se enorgullece de mostrar nuevas obras, a menudo producidas junto al artista, o encargadas para un espacio o contexto específico. Ejemplos recientes incluyen una exposición en Atenas en marzo de 2017, coincidiendo con la apertura de Documenta, y una residencia y exposición anual de seis años en los Alpes suizos. Estos proyectos, así como aquellos que suceden en la galería de Venecia, existen como una respuesta directa a las necesidades y la investigación de los artistas. Después de curar varias exposiciones en Europa, este es un momento emocionante para la presentación de la galería en los Estados Unidos, con uno de sus artistas más prometedores.

Marcantonio Brandolini d’Adda (1991) vive y trabaja en Venecia. Es el fundador de AUTONOMA, una fábrica educativa en Murano, creada junto con la Pilchuck School of Glass (Seattle), y reúne las habilidades de la isla y la creatividad de los extranjeros. Marcantonio Brandolini d’Adda también fue artista residente en Pilchuck School of Glass y ha pasado gran parte de su vida en los hornos de Murano. Debido a las técnicas radicales que ha inventado, que nunca antes se habían visto o intentado en Murano, ha revolucionado la forma en que el vidrio puede ser entendido y utilizado como material en la práctica escultórica contemporánea. Marcantonio Brandolini d’Adda ha expuesto anteriormente su obra en el Museo del Vetro (Museo del Vidrio) en Murano, así como en las galerías ALMA ZEVI (Venecia) y David Gill (Londres).

Pledges of Allegiance es un proyecto serializado de dieciséis banderas comisionado por Creative Time NYC, organización que durante las últimas cuatro décadas se ha encargado y presentado ambiciosos proyectos de arte público con miles de artistas en todo Nueva York, en todo el país, en todo el mundo, y ahora incluso en el espacio exterior.

Pledge of Allegiance se guía por tres valores fundamentales: una organización, cada uno creado por un artista. «Nos dimos cuenta de que necesitábamos un espacio para resistir que se definió no en oposición a un símbolo, sino en el apoyo a ese, por lo que creamos un espacio permanente. La bandera parecía una forma ideal para construir ese espacio tanto práctica como simbólicamente «, dice el director artística de Creative Time, Nato Thompson.

Cada bandera apunta a un problema o tema que apasiona al artista, una causa por la que creen que vale la pena luchar, y habla de cómo podemos avanzar colectivamente. Concebido en respuesta al clima político actual, Pledge of Allegiance tiene como objetivo inspirar un sentido de comunidad entre las instituciones culturales, y comenzar a articular la respuesta urgente que exige nuestro momento político.

Los artistas participantes incluyen a Tania Bruguera, Alex Da Corte, Jeremy Deller, LaToya Ruby Frazier, Ann Hamilton, Robert Longo, Josephine Meckseper, Marilyn Minter, Vik Muniz, Jayson Musson, Ahmet Ögüt, Yoko Ono, Trevor Paglen, Pedro Reyes, Rirkrit Tiravanija, y Nari Ward.

Pledge of Allegiance se lanzó oficialmente el Día de la Bandera, el 14 de junio. Cada mes se levantará una nueva bandera en la sede de Creative Time en 59 East 4th Street, y en los sitios asociados en todo el país.

Pledge of Allegiance fue originalmente concebido por Alix Browne y desarrollado en colaboración con Cian Browne, Fabienne Stephan y Opening Ceremony.

La bandera actual es de Rirkrit Tiravanija, Untitled 2017 (fear eats aoul) (white flag), dispuesta en la 59 East 4th Street. El mejor ángulo de visión está en la esquina de E 4th Street y Bowery. La bandera también se está levantando simultáneamente en 20 ubicaciones más en todo Estados Unidos.

Hoy Miércoles 14 de marzo de 2018 se inaugura a las 19.30 hrs en Galería Concreta en el Centro Cultural Matucana 100 la exposición “Gabinete”, que estará en exhibición desde el 15 hasta el 25 de marzo.

Gabinete es una web serie de micro documentales de artistas visuales chilenos que a través de cada capítulo y en su conjunto, intenta mostrar las motivaciones del arte contemporáneo en las últimas décadas, desde finales de los ‘70s hasta hoy, tratando de descubrir tanto las características formales de la práctica como la inspiración que subyace en cada creación.

Piezas audiovisuales que a través de sus narrativas desean dar cuenta de cómo el ser humano es un ser que en acción puede construir una identidad, y que además buscan indagar en el mundo interior del artista, revelar sus intenciones e impulsos que lo han llevado a crear y seguir trabajando. Configuración de la disciplina y labor en Chile que ha ido construyendo una imagen a percibir en el extranjero, que podría responder a los mismos indicadores y paradigmas que han construido el genio y carácter nacional.

La serie es una iniciativa de la casa productora Sagrado Cine, y dirigida por Felipe Ríos; consta de 8 capítulos documentales de corta duración, que tienen como objetivo presentar las motivaciones, obra y contexto de ocho artistas contemporáneos chilenos: Juan Castillo, Raúl Zurita, Voluspa Jarpa, Bernardo Oyarzún, Norton Maza, Pilar Quinteros, Javier Toro Blum, y Eugenio Dittborn.

Para Ríos, la motivación de realizar la serie documental, nace del estudio de la historia reciente de Chile desde las artes visuales. “Desde ese lugar me encuentro con un enorme patrimonio visual tangible, el que curiosamente es muy desconocido por nosotros, los chilenos. Espacios de libertad e innovación, arriesgados y originales, que me inspiran y sorprenden tanto por su repercusión, como por su falta de difusión. Aquí es donde emerge la necesidad de generar un documento audiovisual que actúe al mismo tiempo como archivo y mecanismo de difusión del arte contemporáneo en Chile”. Así, “Gabinete”, se plantea como un ejercicio para retratar nuestra historia reciente, visibilizada, en esta oportunidad, mediante el arte visual, “documentando a una generación de creadores que más temprano que tarde va a desaparecer”, enfatiza el director.

La muestra en Galería Concreta se dispone como la instancia expositiva del proyecto, donde para el screening inaugural se podrán ver las piezas de los artistas Juan Castillo, Raúl Zurita, Voluspa Jarpa, Bernardo Oyarzún, Norton Maza y Pilar Quinteros, contando además con la presencia de Voluspa Jarpa, Pilar Quinteros y Bernardo Oyarzún, quienes comentarán acerca de las piezas y la experiencia de ser parte de este mapeo del arte contemporáneo chileno de los últimos años.

“Gabinete” estará muy pronto disponible en www.gabinetearte.com

Miércoles 14 de marzo de 2018, 19.30 hrs.
Galería Concreta – Centro Cultura Matucana 100
Matucana 100, Quinta Normal, Santiago

Realizadores:

Dirección: Felipe Ríos
Dirección de contenidos: Carolina Martinez
Dirección de fotografía: Enrique Warnken
Producción ejecutiva: Catalina Vergara – Fernando Bascuñán
Asistencia de dirección: Nicolás Lira
Montaje: Pascual Sotomayor & Catalina Marín
Sonido: Nicolás Munizaga – Claudio Vargas – Peter Rosenthal
Post producción de audio: Playhead
Música y diseño sonoro: Lister Rossel & Utkucan Eken
Corrección de color: Nicolás Ponce
Diseño gráfico: Natalia Cerda
Grip: Pepe Blanco – Daniel Miranda

Produce Sagrado Cine

Titulada We don’t need another hero, la 10ª Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín es una conversación con artistas y colaboradores que piensan y actúan más allá del arte al enfrentar las incesantes ansiedades perpetuadas por una indiferencia deliberada hacia las complejas subjetividades.

Partiendo desde su posición en Europa, Alemania, y Berlín como una ciudad en diálogo con el mundo, la 10ª Bienal de Berlín confronta los estados generalizados de psicosis colectiva. Al hacer referencia a la canción de Tina Turner de 1985, We Do not Need Another Hero, dibuja desde un momento directamente anterior a grandes cambios geopolíticos que provocaron cambios de régimen y nuevas figuras históricas. La 10ª Bienal de Berlín no ofrece una lectura coherente de las historias o el presente de ningún tipo. Al igual que la canción, rechaza el deseo de un salvador. En cambio, explora el potencial político del acto de autoconservación, rechazando ser seducido por sistemas de conocimiento inflexibles y narrativas históricas que contribuyen a la creación de subjetividades tóxicas. La Bienal está interesada en diferentes configuraciones de conocimiento y poder que permiten contradicciones y complicaciones.
Ya lanzado en julio de 2017, I’m not who you think I’m not, el programa público de la 10ª Bienal de Berlín, marcó la pauta en un primer evento que tuvo lugar en colaboración con la iniciativa educativa independiente Each One Teach One (EOTO ) e. V. en Berlín. Esto fue seguido por un panel de discusión en cooperación con FNB JoburgArtFair en septiembre de 2017. El programa público descarta el beingness y los know-hows, perspectivas que a menudo se basan en marcos sociales existentes y construidos y sus especulaciones asociadas acerca de subjetividades particulares. A lo largo de la construcción de la 10ª Bienal de Berlín hasta su conclusión en septiembre de 2018, el programa público crea situaciones que evaden estos puntos de vista y, al mismo tiempo, propone una gramática renovada para enfrentar el presente.

We don’t need another hero es curada por Gabi Ngcobo con un equipo curatorial compuesto por Moses Serubiri, Nomaduma Rosa Masilela, Thiago de Paula Souza e Yvette Mutumba.
9 de junio hasta el 9 de septiembre de 2018 en varios venues de Berlín.

Despuès de Collective Fictions en 2013, Artesur vuelve al Palais de Tokyo con una programación de arte video concebida a la manera de un caleidoscopio.

Para _Video SUR_, el equipo de Artesur invitó diferentes colectivos y estructuras independientes activos en América latina, a proponer una selección de videos de artistas.

Plural y multipolar, esta programación propone una inmersión en la escena contemporánea latinoamericana desde la mirada de los actores que hacen la vida artística del continente, la animan y la promueven. Es una ocasión para descubrir el trabajo de algunos artistas, y con ellos, los lugares y las redes que los acompañan en sus búsquedas y experimentaciones.

arte-sur.org es un sitio web dedicado a la creación contemporánea de América latina fundado en París, Francia, por la curadora Albertine de Galbert. Albergado por la asociación Beam Prod, Artesur concibe desde el 2010 proyectos curatoriales y de cooperación cultural.

ARTISTAS

La Embajada – Mexico

Artistas : Melissa Guevara – Jesús Hdez-Güero – María Raquel Cochez – Edgar León – Guillermo ‘Habacuc’ Vargas – Regina José Galindo – David Perez Karmadavis – Antonio Pichilla – Deborah Castillo – Jason Mena – Enrique Jezik

Proyectos Ultravioleta – Guatemala

Artistas: Johanna Unzueta – Javier Bosques – Hellen Ascoli – Alberto Rodríguez Collía – Jessica Kairé – Jorge de León – Gabriel Rodríguez – David Perez Karmadavis – Manuel Chavajay

TEOR/éTica – Costa Rica

Artistas : Lucía Madriz – Stephanie Williams – Roberto Guerrero – Marton Robinson

Despacio – Costa Rica

Artistas : Carlos Fernández – Javier Calvo – Abigail Reyes

Espira – Nicaragua

Artistas : Darling López Salinas – Miguel Angel Díaz – Fredman Barahona – Patricia Belli – María Félix Morales – Ricardo Huezo – Federico Alvarado – Virginia Paguaga

(BIS) Oficina de proyectos – Colombia

Artistas : Ana Maria Millán – Colectivo Maski – Adrián Gaitán – Juan Obando – Alberto Lezaca – Monika Bravo – Gustavo Toro – Tatyana Zambrano & Roberto Ochoa – Lina Rodríguez Vásquez

CaldodeCultivo – Colombia

Micromuseo – Peru

Artistas : Ana Rosa Benavides – Christian Bendayán – Patricia Bueno, Susana Torres – Íntegro – Chiara Macchiavello – Jaime Miranda Bambarén, Erasmo Wong Seoane – Carlos Morelli, Melissa Herrera – Carmen Reátegui – Carlos Runcie Tanaka – Giancarlo Scaglia – Maya Watanabe – Moico Yaker

Residência Artística Cambridge – Brasil

Artistas : Ícaro Lira, Isadora Brant y Fernanda Taddei

OLHO – Brasil

Artistas : Leticia Ramos – Ana Vaz – Tamar Guimarães

Galería Ruby – Argentina

Artistas : Malena Pizani – Josefina Labourt – Julián Gatto

Y.ES Contemporary – Salvador

Artistas : Verónica Vides – Crack Rodriguez – Víctor Hugo Portillo

Arte Actual FLACSO – Ecuador

Artistas : IrinaLilianaGm – Valeria Andrade – Alex Schlenker – José Antonio Guayasamín

BARRO Arte Contemporáneo – Argentina

Artistas : Amalia Ulman – Agustina Woodgate – Nicola Costantino – Martín Legón

Die Ecke – Chile

Artistas : Nicolas Rupcich – Claudia Joskowitz – Enrique Ramírez – Marcela Moraga – Johanna Unzueta – Francisca Benítez – Catalina Baeur – Alejandra Prieto

La Ene – Argentina

Artistas : Nina Kovensky – Sofía Gallisá Muriente – Leandro Tartaglia, Francisco Marquez, Santiago Villanueva – Básica Tv – Fernanda Pinta, Federico Baeza

del 16 de febrero al 12 de marzo, 2018
Inauguración el 15 de febrero, 2018
Palais de Tokyo, París
www.palaisdetokyo.com/fr/evenement/video-sur

Esta exposición trata de la disyunción de nuestros tiempos.

Mundos existentes paralelos entre sí.

Un sentido único de lo contemporáneo, verdades laterales en capas inconsistentes.

En algún lugar entre la nostalgia y la esperanza, se encuentra nuestra especial temporalidad de la que siempre parece que estamos intentando escapar. Las visiones apocalípticas de nuestro futuro rebalsan la teoría contemporánea mientras que los nostálgicos futurismos históricos proliferan sustancialmente. La utópica naíf de los 90 y la ciencia ficción de la Guerra Fría usan nuestros propios fracasos para describir mundos que están simultáneamente despiertos.

Recreación, apropiación y gestos históricos reconsideran nuestra relación con el pasado y nuestras propias identidades. La historia y el patrimonio se convierten en un refugio de las pruebas diarias. Las marcas actúan como símbolos nacionales estándar y crean legado. Desde una publicidad en Holloway y anuncios corporativos, hasta las banderas y los estándares de la Edad Media continúan conjurando emociones masivas.

Huecos y fisuras, grietas y abismos, inconsistencia y divergencia. Todo hirviente y vivo.

curada por Àngels Miralda

Khaled Barakeh
Beth Collar
Sandra Mujinga
Valinia Svoronou
Thomas Yeomans

HORSEANDPONY
Altenbrakerstraße 18, 12053 Berlín
29 de enero – 18 de febrero previa cita
Evento de cierre 18 de febrero

La práctica de Nicolás Lamas incluye principalmente objetos encontrados, instalaciones y esculturas que se centran en la naturaleza transitoria e híbrida de la realidad.

Para su primera exposición individual en Amsterdam, el artista presenta un sitio de producción desmantelado interconectado con una serie de objetos que parecen no pertenecer aquí. Usando tensiones cognitivas entre la energía consumida y la energía desperdiciada, la exhibición reflexiona sobre la condición transitoria de la materia como parte de un sistema de relaciones efímeras y divergentes.

The Form of Decay es una nueva instalación ubicada en algún lugar entre un espacio de oficina y un sitio antropológico. Mediante el desprendimiento de elementos hechos por el hombre, materiales orgánicos y objetos producidos en masa a partir de sus funciones originales, la exposición recrea un ambiente tanto salvaje como aséptico. Hay una sensación de extrañeza flotando en el aire en la que las interacciones materiales, las fricciones, las atracciones y las repulsiones coexisten, mostrando el interés de Lamas en la materialidad visceral. Cuando uno se mueve a través del espacio, se da cuenta de los procesos enredados que constituyen este lugar. La materia es aquí una coartada que permite al espectador abordar la fugacidad como algo intrínseco al estado general de las cosas, sacando a la luz el culto de hoy en día a la circulación perpetua de energía, a la vez que desencadena el suspenso.

La instalación está estructurada en torno a los encuentros entre una serie de objetos pertenecientes a tiempos y espacios distantes, donde las nociones de indeterminación, peligro e incertidumbre se hacen evidentes. Una especie de energía enredada en un conjunto complejo de funciones interconectadas.

Nicolás Lamas (Lima, 1980) vive y trabaja en Bruselas, Bélgica. Recientes exposiciones individuales incluyen: Todo objeto es un espacio temporal, Fundación Joan Miró, Ocaso, Galería Lucía de la Puente, Loss of symmetry, Loods 12, The structure of the wild, Brand New Gallery, Dysfunctional links, Meessen De Clercq, Potential remains, DASH. Configuraciones, Lucía de la Puente, The value of formlessness, Sabot.

The Form of Decay – Nicolás Lamas
P/////AKT
zeeburgerpad 53, 1019 AB, Amsterdam
www.pakt.nu

Fotografías por Charlott Markus, Alexandra Colmenares Cossio y Valeria Marchesini.

Imágenes cortesía del artista y P/////AKT, Amsterdam.

Captions: Nicolás Lamas, The Form of Decay, vistas de instalación, P/////AKT, 2017.

Culture Industry es la exposición colectiva curada por la directora de Interface Gallery, Suzanne L’Heureux para la galería experimental Slide Space 123 , donde las artistas Sara Cwynar (Canadá), Débora Delmar (México), Shana Moulton (EE.UU.) y Tabita Rezaire (Francia), exploran cómo se emplean diversos medios de producción cultural para moldear nuestros deseos y producirnos como sujetos.

El título Culture Industry proviene de un capítulo del libro de Theodor Adorno y Max Horkheimer, «La Dialéctica de la Ilustración», que critica la producción en masa de la cultura bajo el capitalismo. Los autores examinan cómo la cultura popular está diseñada para dominar a los consumidores produciendo una falsa necesidad psicológica de los productos que ofrece la industria cultural. De diversas maneras, las artistas en esta exhibición lidian con este «ciclo de manipulación y necesidad retroactiva» así como con la naturaleza racializada, clasificada y del género de su influencia.

Sara Cwynar y Shana Moulton lo hacen con diversos grados de ironía. Las fotografías compuestas de Cwynar, que se basan en publicidades, tarjetas postales y catálogos, exploran la forma en que las imágenes populares funcionan en nuestras mentes, infiltrándose en nuestra conciencia y ejerciendo la influencia de los sistemas de control. «Her Little Video» (2015), que se muestra en esta exposición, investiga estos temas, así como la relación personal de la artista con la creación de imágenes y su propio archivo.

Los videos, performances e instalaciones escultóricas de Moulton examinan la fusión de la cultura del «New Age» con productos para la salud, el bienestar y la belleza. Cynthia, un personaje recurrente en sus videos, ha creído firmemente en la idea de que varias herramientas y rituales de autocuración, medicamentos recetados, alimentos y productos de belleza producirán la dicha iluminada. En «Every Angle Is an Angel» (2016), un video presentado como parte de la instalación de Moulton para esta exposición, un bocado de un bowl de Kellogg’s Corn Flakes envía a Cynthia a un estado casi orgásmico de éxtasis espiritual.

Al igual que Moulton, Débora Delmar a menudo se enfoca en la industria de la salud y la belleza y el marketing de «estilo de vida». Su trabajo emplea la estética de la cultura y la publicidad corporativa globalizada, para reflejar su influencia psicológica, particularmente sus mensajes de avance social. Aquí, Delmar presenta fotografías (tomadas con un fotógrafo de moda de productos) con las hermosas y juveniles manos de un modelo de mano profesional, imitando poses de anuncios de marcas de lujo. Los gestos con las manos destiladas evocan un poderoso sistema de signos diseñado para atraer a los consumidores.

Las manos blancas en las fotografías de Delmar también se pueden ver como significado de la hegemonía de la cultura blanca, un tema en el centro de la obra de Tabita Rezaire. Rezaire utiliza el video, el render y el web-based art para criticar y buscar la curación de los efectos del tecno-capitalismo blanco, occidental, patriarcal, cis-hetero. Su video en esta exhibición, «Deep Down Tidal» (2017), presenta Internet como una forma de «colonialismo electrónico» y encuentra una metáfora en la forma en que los cables de Internet submarinos que llegan del oeste siguen las mismas rutas que los barcos durante la trata de esclavos.

Como afirman Adorno y Horkheimer, «la base sobre la cual la tecnología adquiere poder sobre la sociedad, es el poder de aquellos cuya influencia económica sobre la sociedad es más grande». «La Dialéctica de la Ilustración» fue escrita en 1944, mucho antes de Internet, la globalización y el surgimiento de las redes sociales , que solo han servido para extender el alcance y el control de la industria de la cultura. Colectivamente, las obras en esta exposición presentan una imagen de los mecanismos a través de los cuales continúa afirmando su influencia.

Culture Industry
Sara Cwynar, Débora Delmar, Shana Moulton y Tabita Rezaire
Hasta el 29 de noviembre de 2017
Slide Space 123, Mills College, Oakland, CA
Curada porSuzanne L’Heureux, Directora de Interface Gallery

“Soil is undervalued because it is often mistaken for dirt, its zombie carcass. Dirt seems to be everywhere. Dirt is used to express the bottom of the value scale:

Dirt-cheap.


Poor as dirt.


They treat the workers like dirt.”

— Claire Pentecost, Notes From Underground

Altura está al lado opuesto del espectro. Altura avalúa: un pent-house, un obelisco, un templo, un altar, un zigurat. El espacio frente a una tarima es para el gentío y la muchedumbre. El cielo es para bellos pájaros emplumados – el suelo para los gusanos y parásitos. Varias cosmologías ponen a los dioses arriba y a los diablos abajo. El fuego nace en cascada del vientre de la tierra en arroyos de lava. En la cosmología de los Incas, Quechua es el mundo anterior y el Ukhu Pacha el mundo bajo. En la edad mediana inglesa, se creía que la plaga bubónica ascendía al aire por grietas en la tierra que dejaban escapar vapores nocivos de miasma infernal.

La exposición consiste en obras provenientes del subterráneo. Litio, granito, y escoria son restos de actividades mineras. Pedazos de caucho, madera y plástico son extraídos y una vez más desechados en el suelo en diferentes estados de desuso. Plantas nacen del suelo y el agua y están vinculadas a sus vivificantes metales por arterias fibrosas. La Esencia del Ser Humano ilustra el ciclo de uso and la dependencia en la tierra de la cual un alma platónica trata de escapar hacia un divino “más allá”. Mientras bienes contemporáneos enajenan al consumidor de los lugares de producción original, un descubrimiento inminente de efectos globales exige un análisis de nuestra relación con el mundo material.

La tierra es un sistema químico cerrado. Si hubiésemos prestado atención a la sabiduría de verdades arcaicas, tal vez la apertura de los bajos fondos hubiese sido prevenida. Tal vez nunca hubiese podido propagar su maloliente contagio de Kay Pacha (nuestro mundo).

Alejandra Prieto
Alejandro Leonhardt
Círculo de Ilustradores Naturalistas de Chile**
Elizabeth Burmann
Giuseppe Licari
Lucía Pizzani
Miguel Soto
** miembros: Javiera Delaunoy Sepúlveda, Patricia Domínguez, Francisca Espinoza, Maria José Herrada, Silvia Lazzarino, Andrea Lira, Geraldine MacKinnon, Magdalena Perez de Arce, Andrea Ugarte.

Museo de Arte Contemporáneo, Quinta Normal, Santiago, Chile
Inauguración: 24 de Noviembre, 19.30 hrs.
Exhibición: 25 de Noviembre de 2017 – 21 de Enero de 2018

Sólo hace unos pocos días, Knight Landesman, uno de los hombres más influyentes en el mundo del arte y co-editor de la reconocida publicación comercial Artforum, renunció justo al día después de que Raquel Corbett, escritora para artnet News reportó alegatos de acoso sexual realizados por varios hombres y mujeres en su contra. Y no tan sólo eso, sino que la renuncia se produjo el mismo día en que la ex empleada de Artforum, Amanda Schmitt entabló una demanda en el Tribunal Supremo del Estado de Nueva York contra Landesman y su ex empleador, alegando que Landesman la acosó sexualmente durante años mientras que los ejecutivos de la revista hicieron poco, a pesar de conocer su comportamiento, según la denuncia.

Luego de estos hechos y sumados al movimiento online #metoo, un grupo de personas del mundo del arte se han reunido en la primera acción contra el acoso y abuso sexual.

Esta iniciativa es “NOT SURPRISED” , cuya diseminación primera ha sido a través de la red, con su sitio web y redes sociales, describiendo esta carta abierta y con la consiguiente lista de quienes han firmado. Este es el primer paso para seguir con otras acciones desde el arte, denunciando algo de lo cual todos estamos exhaustos.

No nos sorprende.

Somos galeristxs, artistxs, escritorxs, editorxs, curadorxs, directorxs, administradorxs, asistentes y becarixs –trabajadorxs del mundo de arte–y hemos sido manoseadxs, debilitadxs, acosadxs, infantilizadxs, despreciadxs, amenazadxs, e intimidadxs por los que están en posiciones de poder y controlan el acceso a recursos y oportunidades. Nos hemos callado, amenazadxs por el poder ejercido sobre nosotrxs y las promesas de éxito institucional y ascenso profesional.

No nos sorprende que curadores nos ofrezcan exposiciones a cambio de favores sexuales. No nos sorprende que algunxs galeristas idealicen, minimicen y escondan el comportamiento abusivo de los artistas que representan. No nos sorprende que una reunión con un coleccionista o un potencial patrono se convierta en una propuesta sexual. No nos sorprende que se tomen represalias en nuestra contra cuando no nos ajustamos a sus demandas. No nos sorprende que Knight Landesman nos manosee en una feria de arte mientras nos promete que nos ayudará en nuestra carrera.

Esta carta abierta tiene como origen una discusión grupal sobre el acoso sexual en nuestro campo, siguiendo las revelaciones recientes de conducta sexual inapropiada (un secreto a voces y conocido desde hace tiempo dentro de la industria). La conversación se ha ramificó internacionalmente para incluir a artistxs, escritorxs, curadorxs, directorxs, asistentes, becarixs y personas con posiciones institucionales. A menudo un esfuerzo más grande en pos de la equidad se espera de y es llevado a cabo por mujeres de color y personas trans o no binarias. Históricamente, las luchas por la igualdad racial han promovido una agenda feminista sin recibir un apoyo de las mujeres blancas en su conjunto. Nuestra eficacia se apoya en tomar muy seriamente esta intersección y no excluir otros factores corroborativos que contribuyan al sesgo, la exclusión y el abuso. Hay una necesidad imperante de compartir nuestros reportes de sexismo, tratamiento desigual e inapropiado, acoso y conductas sexuales inapropiadas que experimentamos regular, amplia e intensamente.

Muchas instituciones e individuos con poder en el mundo del arte apoyan la retórica del feminismo y la equidad en teoría, beneficiándose muchas veces con estas afirmaciones endebles de sostener una política progresista, al mismo tiempo que preservan normas opresivas y dañinas en la práctica. Lxs que están en el poder ignoran, excusan o cometen ejemplos de acoso y degradación, creando un ambiente de aceptación y complicidad en muchos abusos de poder más serios e ilegales.

La renuncia de un editor en una revista prominente no resuelve un problema que es más grande e insidioso: un mundo del arte que sostiene estructuras de poder a costa de un comportamiento ético. Abusos similares ocurren frecuentemente a nivel internacional y a gran escala dentro de esta industria. Se nos ha silenciado, condenado al ostracismo, patologizado, desestimado por “exagerar” y amenazado cuando hemos intentado exponer comportamientos sexuales y emocionales abusivos.

No se nos seguirá silenciando.

Denunciaremos a quienes continúen explotándonos, silenciándonos y desestimándonos. Sus acciones no seguirán siendo un secreto, susurrado entre nosotrxs por miedo a que se nos condene al ostracismo, se nos excluya profesionalmente o se nos recrimine. En donde veamos abusos de poder, estamos resueltxs a hablar, a pedir que instituciones e individuos aborden nuestras preocupaciones con seriedad y que se hagan públicos estos incidentes independientemente del género de lxs responsables.

No ignoraremos más las observaciones condescendientes, las manos obstinadas sobre nuestros cuerpos, las amenazas e intimidaciones veladas como coqueteo o el silencio de colegas ambiciosos. No toleraremos que se nos avergüence o se nos ponga en duda y no toleraremos la recriminación que conlleva hablar. No nos uniremos a las “fuerzas especiales” creadas para resolver un problema que nos infligen. Proporcionamos una definición de acoso sexual (ver abajo) para quienes que se sientan desempoderadxs para que puedan señalar un documento que apoya un ambiente de trabajo seguro para todxs.

Nosotrxs, lxs abajo firmantes, hacemos un llamado a las instituciones, mesas directivas y demás colegas, para que piensen bien cómo juegan, o pueden haber jugado, un papel en la perpetuación de diferentes niveles de inequidad sexual y abuso, y cómo van a manejar estos problemas en el futuro.

Ahora somos demasiadxs para que se nos silencie o ignore.

Con todo lo que hemos experimentado y presenciado, esta carta no es una sorpresa.

#NOTSURPRISED
Instagram: @notsurprised2017
Twitter: @Not_Surprised1
Facebook: notsurprised2017

#NONOSSORPRENDE
#SINMIEDO

Imágenes © Jenny Holzer

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Inglés Estadounidense.

La Fundación Suiza para la cultura Pro Helvetia presenta «COINCIDENCIA» (2017-2020), un programa cuyo objetivo es promover intercambios culturales entre artistas suizos y sudamericanos, crear nuevos proyectos de colaboración y facilitar la presencia de las artes suizas en las plataformas de la región.

Pro Helvetia, The Swiss Arts Council, es una fundación pública fundada por el Gobierno de Suiza, dedicada a promocionar la creación artística tanto en Suiza como a través de redes de trabajo e intercambio en el extranjero. Hoy, la Fundación está internacionalmente presente con Oficinas de Enlace en El Cairo, Johannesburgo, Nueva Deli, Shanghái y Moscú, además de un centro cultural en París y otras próximas presencias en Nueva York, Roma, Milán, Venecia y San Francisco.

Dentro de este contexto y calendario, es que Pro Helvetia tendrá un intenso programa de intercambio con Sudamérica entre el 2017 y 2010, que le permitirá al escenario cultural suizo tener acceso a plataformas artísticas y de creación en la región, además de un rico intercambio pluralista. Así, el programa pretende testear e identificar las oportunidades para la futura Oficina de Enlace, y crear una relación mutua y relevante para poder alimentar las actividades.

«COINCIDENCIA» Apertura y lanzamiento en Santiago de Chile

Dentro de este contexto de apertura local de «COINCIDENCIA» en Sudamérica, el próximo 5 de Octubre de 2017 tendrá lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile el primer lanzamiento del programa para Sudamérica, coincidiendo en la fecha con la Inauguración de la 13ª Bienal de Artes Mediales de Chile, uno de los eventos culturales más importantes del escenario nacional
artístico donde una de sus principales y más grandes sedes será el mismo Museo.

A través del programa de intercambio cultural «COINCIDENCIA» Pro Helvetia pretende facilitar la presencia de la escena artística suiza en las plataformas profesionales de América del Sur, promover el intercambio cultural y estimular nuevos proyectos conjuntos. Gracias a este programa, se abren nuevas oportunidades en la región sudamericana para las artes suizas.

MULTIPLICANDO LOS FORMATOS

«COINCIDENCIA» apoya los proyectos de sus asociados de América del Sur y Suiza en sus más
diversos formatos: exposiciones, intercambios, plataformas de investigación, giras de
espectáculos, coproducciones, traducciones y viajes de pesquisa. Además, fortalece el
pensamiento crítico artístico mediante la circulación de personas y contenidos, el intercambio de herramientas entre artistas y pone en contacto iniciativas autónomas, curadores, festivales e instituciones.

Dentro de este contexto y calendario, es que Pro Helvetia tendrá un intenso programa de intercambio con Sudamérica entre el 2017 y 2010, que le permitirá al escenario cultural suizo tener acceso a plataformas artísticas y de creación en la región, además de un rico intercambio pluralista.

«COINCIDENCIA» – Intercambios culturales Suiza-América del Sur
Un programa de La Fundación Suiza para la cultura Pro Helvetia

Apertura y lanzamiento en Santiago de Chile
Jueves 5 de Octubre de 2017, 10.00 AM
Museo Nacional de Bellas Artes
Avenida José Miguel de la Barra 650
Santiago, Chile

ALMA ZEVI presenta a la artista suiza Heidi Bucher (1926 -1993), y al artista americano Gordon Matta-Clark (1943 – 1978).

FLOORS exhibirá la obra de Heidi Bucher y Gordon Matta-Clark de los años setenta. Toma sus distorsiones obsesivas y la re-imaginación de la arquitectura. Los dos artistas realizaron trabajos que evadieron la categorización al fusionar elementos de escultura, pintura y actuación. Gordon Matta-Clark cortaba las superficies y estructuras de los edificios, creando cavidades frágiles y pozos de luz inesperados. Mientras tanto, Heidi Bucher realizó pisos y paredes con resinas y látex, creando nuevas superficies que son ásperas y elegantes al mismo tiempo.

La serie «Bronx Floors» (1972) de Gordon Matta-Clark, que se muestra en ALMA ZEVI, es el resultado de haber cortado partes de tablas y el techo de un edificio residencial abandonado en el Bronx, Nueva York. Haciéndolo, radicalmente volvió a montar el espacio. Este trabajo cuestiona directamente nuestra experiencia de caminar, de estar de pie, o incluso el conceptp de la gravedad. Rasgando la arquitectura lejos de la funcionalidad, redefiniendo su forma, esculpiendo con la luz y el espacio, esta es una obra seminal no sólo en la obra de Gordon Matta-Clark en su conjunto, sino en el arte de los últimos 50 años.

Entre 1976 y 1978, Heidi Bucher se encontraba en Zurich y realizaba de igual manera trabajos que marcaron precedentes en su tiempo. Expuesto en ALMA ZEVI hay tres inquietos y poéticos Borg Floors. Éstos son los moldes del piso de lo que ella llamó «el Borg» – su estudio del sótano en Zurich, que anteriormente había sido un cuarto congelador de carnicero. Los pisos del Borg son bellamente texturizados, evocadores y misteriosos. Esta exposición explora la sensualidad del enfoque de Heidi Bucher, donde una pared o piso se convierte en una piel. Las piezas de Borg la consolidan como una artista que superó el concepto profundamente atrasado de ser una «gran mujer artista», para tomar su lugar apropiado como «un gran artista», cuyo trabajo también se incluye en la Bienal de Venecia de este año.

En 1972 Heidi Bucher y su esposo Carl Bucher colaboraron para crear una pieza de arte de performance: Body Shells. En el mismo año, Carol Goodden, compañera de Gordon Matta-Clark, participó en su performance, Tree Dance. Ambos fueron filmados, y ahora se muestran juntos por primera vez en ALMA ZEVI. Estos films altamente experimentales combinan la coreografía y la danza, el arte de la performance y la escultura específica del lugar.

Para conmemorar la inauguración de la exposición, el Teatrino Grassi proyectará películas de Heidi Bucher y Gordon Matta-Clark. Las proyecciones se llevarán a cabo el viernes 22 de septiembre, a partir de las 6.30pm, y el sábado 23 de septiembre, de 10h a 19h (inicio de cada sesión a las 10h, 13h, 14h30, 16h y 17h30).

FLOORS : La exhibición bipersonal de Heidi Bucher & Gordon Matta-Clark
Private view: 22 de Septiembre, 6 – 9 pm
23 de Septiembre- 21 de Diciembre, 2017
ALMA ZEVI
San Marco 3357
Salizada San Samuele
30124 Venecia, Italia

Heidi Bucher trabajando en «the Borg», Zurich (alrededor de 1977). Cortesía de The Heidi Bucher Estate

Mañana Martes 5 de septiembre a las 12:00 horas se inaugurará en la Galería de la Memoria del Museo  de la Memoria y los Derechos Humanos, la exposición “Secretos de Estado” , curada por el destacado investigador Peter Kornbluh en la cual se mostrará una selección de documentos desclasificados que nos permiten entender la historia secreta del golpe de Estado y la dictadura chilena junto al apoyo que entregó EE.UU., tanto a la Junta Militar como a medios de comunicación.

Kornbluh, es reconocido internacionalmente por desclasificar más de 23.000 archivos de la CIA, del FBI, de la NSC, de la Casa Blanca de la Defensa y del Departamento de Estado de los Estados Unidos, relacionados con la dictadura militar de Chile. Se ha desempeñado por más de 30 años como Analista Senior en el Archivo de Seguridad Nacional en EE.UU, una organización sin fines de lucro en donde es director del proyecto de Documentación de Chile, lo cual lo ha hecho vincularse con varios casos de derechos humanos, como la investigación del juez Juan Guzmán sobre los crímenes de la Operación Cóndor, el asesinato de Charles Horman y Frank Teruggi, o la desaparición de Boris Weisfeiler, entre otros, proporcionando testimonios de expertos y documentación como prueba.

Dentro de las actividades en su visita, hoy Lunes 5 de Septiembre, a las 19.00 tendrá lugar el conversatorio  “Proceso de desclasificación de documentos sobre la dictadura chilena” , donde la periodista Mónica González, directora de CIPER Chile entrevistará en profundidad al investigador.

«Secretos de Estado» – Una muestra curada por Peter Kornbluh
5 de Septiembre, 2017 – 18  de Marzo, 2018

“Proceso de desclasificación de documentos sobre la dictadura chilena”  – Un conversatorio entre la periodista Mónica González, directora de CIPER Chile y el investigador.
Lunes 4 de Septiembre, 2017, 19.00 hrs

Museo de la Memoria y los Derechos Humanos
Matucana 501, Santiago, Chile

Estamos encantados de anunciar nuestra alianza con la última versión de la 13ª Bienal de Artes Mediales de Chile, que se llevará a cabo entre el 5 de octubre y el 5 de noviembre de 2017, bajo el título y concepto curatorial de «TEMBLOR».

Para ello, realizamos la última convocatoria abierta a la 13ª edición del Concurso Juan Downey a artistas de América Latina y del mundo cuyas prácticas artísticas se basan en el video y las artes mediales.

La Bienal de Artes Mediales fue creada por la Corporación Chilena de Video como una respuesta al vacío dejado por el acabado del Festival de Video Arte Franco- chileno, teniendo su primera versión en 1993. El encuentro se plantea y dispone como una instancia de diálogo, diseminación e intercambio de trabajos en arte medial e investigación a partir de algoritmos y el ambiente digital. Hoy además, se da cada vez con mayor impacto, el cruce entre los distintos campos y disciplinas que hacen converger al arte, tecnología y ciencia.

“Temblor” está conformada por distintas secciones, venues y actividades tales como laboratorios, conferencias, conciertos audiovisuales y encuentros de experiencias creativas y de intercambio. Así, dentro de este contexto es que tendrá lugar el Concurso Juan Downey en su xx edición y que es un homenaje al artista chileno, actualizando permanentemente el lenguaje y significado de su obra.

Juan Downey fue un artista chileno pionero del video arte en Chile y el mundo, donde lo visual no solo expresa la intersección de nuevas tecnologías, sino que además la confluencia de culturas y desplazamiento de éstas, el lenguaje y las imágenes. Downey en sus piezas audiovisuales o instalaciones cuestionaba a su tiempo, la política, los paradigmas y conceptos de identidad, siendo “Trans-América” una de sus serie más reconocidas, donde viajo por distintos países del continente registrando los puntos comunes o disímiles entre los diferentes lugares y sociedades. Este proyecto no solo tuvo un carácter documental, sino que se impone como una obra capaz de expresar un mapeado cultural.

El concurso Juan Downey dentro de la 13ª Bienal de Artes Mediales “Temblor” hace un open call a todos los artistas y personas que trabajen con narrativas en video arte y nuevas tecnologías para participar del ya reconocido evento en Chile.

Deadline: Agosto 31, 2017

Bases y aplicación: http://www.bienaldeartesmediales.cl/13/concurso-juan-downey/

“Post Data” es la muestra individual del artista Gabriel Holzapfel que será expuesta en Galería Metales Pesados Visual desde este 11 de Agosto al 22 de Septiembre de 2017. La muestra consiste en una serie de trabajos de corte instalativo y también bidimensionales, que apelan al pasado y la memoria reciente. Las obras presentes proponen una mirada particular hacia la historia, destacando aquellos relatos que han sido silenciados u omitidos, esto mediante objetos encontrados e intervenidos, residuos y frottages.

La producción de Gabriel Holzapfel se caracteriza por trabajar poéticamente las políticas de la memoria, sus métodos de inscripción y circulación. Su obra destaca por plantear zonas de reflexión mediante el uso de materiales de desecho y la intervención de objetos antiguos, a su vez, utiliza el lenguaje coloquial para entablar un diálogo efectivo entre el campo del arte y el de la cultura popular. El carácter político de su trabajo se desarrolla en torno a una revisión crítica de la memoria nacional, incluyendo también la de su propia familia, cuestión que activa un cariz tanto colectivo como personal en sus obras.

Post Data – Gabriel Holzapfel
11 de Agosto – 22 de Septiembre, 2017
Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago, Chile

Hoy Miércoles 12 de Julio a las 18.30 hrs, una tarde con Alejandro Jodorowsky, que incluye un conversatorio y una lectura pública del tarot, será presentada por el MoMA PS1.

Además, Klaus Biesenbach, Director del MoMA PS1 y Curador en Jefe de The Museum of Modern Art, se unirá a Jodorowsky para una conversación acerca del próximo film «Endless Poetry», la secuela autobiográfica de «The Dance of Reality», que repasa el tiempo en que era un joven poeta en Santiago, y que incluye la actuación de su hijo Adan Jodorowsky, caracterizando a su propio padre como un joven hombre explorando su interés por la lectura del tarot.

Por muchos años, Jodorowsky ha estado dedicado a la práctica del tarot como un recurso para la percepción psicológica e inspiración creativa. Como parte de este programa especial, él tendrá con la audiencia una lectura pública única para 22 personas. Un discípulo del Tarot de Marsella, que viene originalmente del siglo XVI, Jodorowsky utilizará una baraja de tarot que ayudó a diseñar para introducir al público a las tarjetas y cómo éstas pueden enseñar a uno «a crear».

Una tarde con Alejandro Jodorowsky
Alejandro Jodorowsky + Klaus Biesenbach
Miércoles 12 de Julio – 2017, 18.30 hrs
MoMA PS1
22-25 Jackson Avenue, Queens

Bill Viola: A Retrospective en el Guggengheim de Bilbao es una retrospectiva temática y cronológica de la carrera del artista que comienza con sus primeros videos de un solo canal, entre ellos icónicas obras como The Reflecting Pool (1977-79) y el álbum compilatorio Four Songs (1976) . Estas creaciones altamente poéticas abordan algunos de los temas más importantes de la producción de Viola: la noción de tiempo y su deconstrucción, las investigaciones sobre la existencia humana y la experimentación con grabaciones y manipulación del ambiente y sonidos de la naturaleza

Comenzó a sumar elementos físicos lo que continuó durante los ’90s, sus estudios sobre la percepción y los asuntos espirituales que se materializaron en forma de objetos escultóricos, como se puede ver en los monitores desnudos de Heaven and Earth (1992) y grandes obras como Slowly Turning Narrative (1992) con su enorme pantalla giratoria.

Con la llegada del nuevo milenio y el advenimiento de las pantallas planas de alta definición, Viola comenzó a producir piezas de pequeño y mediano formato en una serie titulada The Passions, un estudio de las emociones en cámara lenta, como Surrender, o que representan el paso del tiempo y las generaciones, como en Catherine’s Room, and Four Hands (2001).

Durante la última década, a través de una amplia variedad de medios y formatos, Viola ha continuado en su trabajo describiendo la experiencia fundamental de la vida. Esto es elocuentemente ilustrado por el uso del agua en obras como The Innocents (2007), Three Women (2008) y The Dreamers (2013), y su viaje a través del ciclo de la vida, que comienza en esta exposición con Heaven and Earth(1992) y literalmente «rebobina» en el trabajo final Inverted Birth (2014).

Bill Viola (Nueva York, 1951) es uno de los artistas más destacados de nuestro tiempo, ampliamente reconocido como uno de los pioneros en el desarrollo del videoarte, un medio que descubrió a principios de los años ’70s mientras estaba inscrito en el programa “Experimental Studios” En la Syracuse University, Nueva York. Incluso en sus primeros videos es evidente que el enfoque de la vida de Viola sería la búsqueda del autoconocimiento a medida que se iba influenciado por sus lecturas de místicos orientales y occidentales y textos espirituales.

Bill Viola : A Retrospective
June 30 – November 9, 2017
Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España

Imagen 1: Caminando sobre el filo (Walking on the Edge), 2012. Vídeo de alta definición en color sobre pantalla plana montada en la pared.
Imagen 2: Mujer fuego (Fire Woman), 2005. Instalación de vídeo y sonido. Proyección de vídeo de alta definición en color; cuatro canales de sonido con altavoz de graves (subwoofer 4.1).
Imagen 3: Hombre en busca de la inmortalidad/Mujer en busca de la eternidad (Man Searching for Immortality/Woman Searching for Eternity), 2013. Instalación de vídeo. Díptico de vídeo de alta definición en color proyectado sobre dos losas verticales de granito negro apoyadas contra una pared.
Imagen 4: Vigilia nocturna (Night Vigil), 2005/2009. Instalación de vídeo. Díptico de vídeo retroproyectado en color, sobre dos pantallas de grandes dimensiones montadas en la pared en una sala oscura.
Imagen 5: Nacimiento invertido (Inverted Birth), 2014. Instalación de vídeo y sonido. Vídeo de alta definición en color proyectado sobre pantalla vertical fijada en el suelo en una sala oscura; sonido estéreo con altavoz de graves (subwoofer).
Imagen 6: Velos (The Veiling), 1995. Instalación de vídeo y sonido. Dos canales de vídeo de alta definición en color proyectados desde lados opuestos de una gran sala oscura, que atraviesa nueve grandes velos suspendidos del techo; dos canales de sonido monoaural amplificado, cuatro altavoces.

Todas las imágenes © Bill Viola y Museo Guggenheim Bilbao

SixtyEight Art Institute  está actualmente exhibiendo la muestra colectiva «Money Laundering», cuarada por Rodolfo Andaur con los artistas Albano Afonso, Ana Alenso, Lehman Brothers, Alejandro Gómez Arias, Kristian Touborg y Andrés Vial.

«Money Laundering» es una exposición colectiva de arte sonoro, escultura, video y fotografía de artistas de diferentes regiones del mundo, que desea generar una reflexión analítica sobre el poder, los negocios y el papel de la corrupción en todo el sistema que está superando muchas situaciones, lugares y naciones.

La investigación de esta exposición tiene su base en la búsqueda por destacar a artistas que trabajan con diferentes niveles de intervención e investigación artística, tratando contextualmente diversos puntos de entrada con las implicaciones estéticas y políticas de la corrupción como un «normal» cotidiano. La exhibición toma su título de los diferentes fenómenos del fraude, extorsión, lavado o alteración de las convenciones establecidas y legales del dinero.

En este sentido, este proyecto intenta estudiar algunas de las condenas en torno a los temas de corrupción global, especialmente las formas en que el ser está cada vez más vinculado al lavado de dinero como proceso y como un fenómeno que capitaliza nuestra comprensión cultural, política y económica. democracia liberal.

Entender cómo estas fromas son lavadas para lograr la globalización, nos ofrece posibles rutas para que las ideas artísticas puedan converger y crear espacios en los que preguntar, contestar, cortar o mutar la corrupción – ¿Tal vez en sus propios términos globales y como nuevas instituciones? Esto parecería ser una alternativa que tenemos para manifestar nuestro rechazo y tal vez usarla como una semilla para la acción colectiva.

Con este fin, el «Money Laundering» habla a través de diferentes materiales, notas, informes y diversos aspectos técnicos, donde los artistas invitados reflexionan sobre las diferentes lecturas paralelas de las formas de «lavado» que se entrecruzan con nuestra contemporaneidad global y subjetividad.

Money Laundering – Una exhibición colectiva curada por Rodolfo Andaur
Hasta el 8 de Julio de 2017
SixtyEight Art Institute, Gothersgade 167, Kbh K, Copenhague, Dinamarca

“Intervalo peatonal” es la muestra del fotógrafo Sebastián Mejía que será expuesta en Galería Metales Pesados Visual del 20 junio al 3 de agosto del 2017. Esta muestra está compuesta por una serie fotográfica que continúa la exploración del paisaje urbano investigado por Sebastian Mejía hace más de 10 años.

En “Intervalo peatonal”, el fotógrafo se enfoca en detalles de sus recorridos por la ciudad, empleando el caminar como una herramienta clave del proceso artístico y volviendo a las veredas verdaderas protagonistas de cada historia.

Las fotografías en blanco y negro continúan en cierta forma con la tradición de la fotografía callejera emblemática del S. XX, pero informada, esta vez, por el arte conceptual, el land art y las derivas situacionistas. El resultado es entonces un exponente de lo que puede ser la fotografía contemporánea latinoamericana, arraigada en su historia, pero abierta a las posibilidades del uso de la imagen como parte de las artes plásticas.

En palabras de Nathalie Goffard, curadora de la muestra:

“Esta es la historia de alguien que trataba de… realizar por años exactamente el mismo camino pero para siempre llegar a otro lugar. La imposibilidad de lo invariable en un mismo itinerario era algo así como el leitmotiv de su trayecto…

…La persistencia e insistencia de todo lo anodino era mucho más atractivo visualmente que la inmutabilidad. Y por lo mismo, las mejores secuencias a coreografiar eran aquellas que incluían los silencios de los espacios vertiginosos: las pequeñas depresiones, los surcos que no dejaban ver en su interior y los bordes irregulares. Cuando quería hacer más ruido escogía manchas y residuos.

.Caminar como quien escribe partituras y siempre tener la capacidad de encontrar algo para hacer un nuevo leitmotiv. Todo servía, las diagonales, las convergencias, los ángulos o los desniveles. Las sombras, los quiebres, los velos y las rasgaduras. [El fotógrafo] Lograba tal nivel de mimetismo con el trayecto, que cada vez que algo cambiaba, lo llegaba a sentir sobre sí mismo. Como si ese recorrido y el propio cuerpo formaran el mismo y único palimpsesto, en el que se iban sumando capas de historia y de memoria.»

Intervalo Peatonal – Sebastián Mejía
Inauguración: Martes 20 de Junio de 2017, 19.30 hrs.
Galería Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago, Chile

América Latina es una tierra de profundos contrastes, tanto geográfica como culturalmente. Su historia, es la historia de la confrontación permanente entre la abstracción y la naturaleza, el orden y el caos, la razón y la intuición. En su esencia más profunda, la identidad latinoamericana puede ser entendida como una síntesis dialéctica de estas fuerzas primordiales, en tensión permanente. Y esto a su vez ha determinado el carácter de sus producciones culturales, particularmente en el campo de la creación visual.

«Raue Strömung», la primera exposición de la plataforma para artistas latinoamericanos Kap Hoorn, está constituida por el más reciente trabajo, creado especialmente para la exhibición de 10 artistas chilenos residentes en Berlín. Más allá de su diversidad natural en términos formales, comparten como característica común una marcada sensibilidad con lo material. Las cualidades expresivas de esta materialidad, que va desde el metal, el vidrio, los textiles, el papel, la cerámica, la plastilina hasta los «objets trouvés», son puestas en valor a través de cuidadosos procesos de transformación que por su naturaleza sutil se refieren al trabajo de orfebres y artesanos, quienes no fuerzan el sustrato material, pero saben cómo entender el asunto en su forma más profunda.

Este «know-how» con lo material es el terreno fértil que permite emerger a las raíces identitarias, dialogar y fructificar: a partir de patrones geométricos abstractos relacionados con la tradición latinoamericana del arte cinético y las iconografías indígenas, con la presencia del paisaje con toda su carga telúrica-simbólica; desde la complejidad de los tejidos hechos con las huellas del desgaste y de la memoria, a la riqueza de las cartografías míticas y de los dibujos a mano alzada cargados con signos.

En el trabajo de estos artistas, la abstracción y la sensualidad, Brasilia y Macondo, estas fuerzas y las visiones primordiales que dieron forma a esa compleja realidad que llamamos América Latina, convergen nuevamente en una síntesis alquímica notable y única:» Raue Strömung».

Este muestra colectiva presenta obras de Paula Anguita, Jacinta Besa, José Délano, Muriel Gallardo, Marcela Moraga, María Muñoz, Amalia Valdés y Pablo Zuleta.

16 – 29 de Junio, 2017
Inauguración: 15 de Junio de 2017, 19.00 hrs
Galerie Eigeinheim
Linienstraße 130, 10115, Berlin Mitte, Germany

Más de 30 años de carrera artística celebra el destacado artista nacional Arturo Duclos con esta exposición titulada «El Fantasma de la Utopía», la cual ocupará el espacio principal del MAVI (5 salas) y la Plaza Mulato Gil de Castro con el fin de hacer una metáfora del decaimiento de estos ideales a través de una mezcla con las narrativas locales latinoamericanas, especialmente representada por sus fiestas populares religiosas y el kitsch.

Bajo la curaduría del español Paco Barragán, esta muestra ya tuvo una primera versión en una céntrica calle de la ciudad de Toronto, en Canadá, en el marco del Festival de Arte Internacional La Nuit Blanche del mes de octubre de 2016, con una superficie de banderas dispuestas sobre el pavimento, a modo de intervención pública (http://nbto.com/ ).

«El Fantasma de la Utopía» explora el sentido político de la utopía en el continente americano, contrastando los ideales libertarios que provienen de los diferentes grupos revolucionarios que trataron de imponer sus convicciones a través de la conciencia ideológica, la lucha armada y el terrorismo, inspirados en los grandes discursos revolucionarios del siglo XX. En palabras del propio artista: “recurro a la simbología y la iconología de las banderas de esos grupos y movimientos que, tradicionalmente, en Latinoamérica asociamos con el espíritu de liberación, otros mesiánicos y la utopía social: Tupamaros, EZLN, FARC, Sendero Luminoso, M-19, MIR, 26 de Julio, FPMR, MRTA , FSLN y otros tantos de menor duración, con el deseo de codificar el carácter fluctuante del texto semiótico y de la propia idea política de estos movimientos revolucionarios, en tanto que metáfora de alteración, ruptura y abandono como síndromes propios de la utopía”.

Después del MAVI, «El Fantasma de la Utopía» viajará a la Región del Biobío, donde se exhibirá en Chillán (Centro Cultural Alfonso Lagos) y Concepción (Sala Principal de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción), para luego presentarse en San Paulo, Brasil, y Buenos Aires, Argentina, en una circulación que se prolongará hasta el año 2019.

El Fantasma de la Utopía– Arturo Duclos
Museo de Artes Visuales de Santiago (MAVI)
Calle José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.
Del 8 de junio al 20 de agosto de 2017

To Chance To Wander es una muestra que reunió a diez artistas contemporáneos chilenos y estadounidenses en Fjord Space, ubicado en el barrio Kensington de la ciudad de Filadelfia, EE.UU., que finalizó este Sábado 27 de mayo del 2017, con el lanzamiento de un fanzine relacionado a la muestra, que prontamente estaremos mostrando en Rotunda Magazine.

¿Qué significa perderse hoy en día? ¿Qué significa buscar sin saber lo que se está buscando? ¿Cómo saber cuándo lo hemos encontrado? ¿Cómo el estado mental de la deriva cambia la percepción física del espacio y nuestro lugar dentro de él? Estas son algunas de las preguntas centrales del proyecto To Chance To Wander, compuesto por un grupo de artistas chilenos residentes en Santiago y de estadounidenses que trabajan en Filadelfia y Nueva York: Joe Boechynski  (US), Anthony Bowers  (US), Manuela Flores  (CL), Rafael Guendelman  (CL), Helen Mirra (US), Theo Mullen  (US), Paz Ortúzar (CL), Pablo Rivera  (CL), Paula Salas  (CL), Asha Sheshadri (US).

Deambular ha pasado de moda, utilizar tiempo en recorrer espacios nuevos o dialogar con desconocidos ha perdido valor y disminuido en una época en la que la relación tiempo/dinero es omnipresente, eco de nuestros saturados calendarios. Vagar por una ciudad es cada vez más difícil pues estamos continuamente encaminados por nuestros teléfonos celulares hacia algún destino inevitable mientras lidiamos con los desvíos dictados por Google Maps o Waze que garantizan la eficiencia del trayecto.

Los proyectos reunidos en esta exhibición exploran espacios urbanos y comunitarios de manera libre, buscando una ruptura con las estructuras digitales, políticas y culturales que nos han sido imperceptiblemente impuestas mientras navegamos por nuestras ciudades. Al concentrarse en urbes situadas en extremos opuestos de América, la muestra busca ampliar la discusión más allá de las normas culturales internas de cada una de ellas para aludir a las limitaciones y oportunidades propias de la contemporaneidad.

Luego de su paso por la feria Art Lima los artistas Chilenos, Javier Toro Blum y Benjamín Ossa inauguran el próximo 11 de mayo en la galería parisina Sobering, la exposición que lleva como título «Tout ce qui est droit ment», acompañada por un texto curatorial de Soledad García Saavedra. El punto de partida del proyecto se basa en las imágenes provenientes de Chile, un país que se percibe más narrativo que visual, según las palabras de los artistas. “Chile por su historia ha tenido a la escritura en su centro, desde la literatura hasta la política. Como acertadamente comenta Raúl Zurita en relación a Alonso de Ercilla: Chile antes que ser una Nación fue un Poema.” En esta exposición, los dos artistas desean poner en diálogo sus obras, de carácter abstracto, con esta idea mediante la inclusión de una narrativa en torno a sus trabajos.

Para eso utilizan en sus títulos citas de diferentes fuentes: desde la poesía, la música popular hasta guiones de cine. El título de la exposición “Todas las cosas derechas mientes” -una cita de “Así habló Zaratustra” de Friedrich Nietzsche – se refiere a la idea de que las obras, a pesar de ser geométricas y basadas en fenómenos concretos, varían en relación a la persona que interactúa con ellas; demostrando la imposibilidad de un sentido y una percepción única de la realidad.

Javier Toro Blum presenta obras lumínicas. Cajas la luz con un sistema de iluminación integrado detrás de una película opaca de forma geométrica. Así, la luz crea un aura alrededor de la forma convirtiendo la superficie que oculta la luz, en una superficie reflejante.

Las obras de Benjamín Ossa utiliza paneles metálicos superpuestos, trabajando el brillo o la opacidad del bronce o el aluminio, dispuestos a intervalos regulares. En cada panel, el artista hace un corte de una forma geométrica, cuyo tamaño se reduce gradualmente a medida que concéntricamente progresan las capas.

La muestra considera además la presentación de sus últimas publicaciones en la ciudad de París y Londres, “Libro Primero” de Benjamín Ossa y “Laboratorio Eigengrau” de Javier Toro Blum, ambos publicados por la editorial Chilena Ediciones Daga.

Benjamín Ossa además presentara su ultima publicación el día Miércoles 24 de Mayo a las 20:00hrs en la edición numero 26 de la feria ArteBA, Buenos Aires, junto al curador Argentino Rodrigo Alonso y el galerista Pablo de Sousa, bajo de el alero de Isla Ediciones.

Javier Toro Blum vuelve a Chile para lanzar una publicación sobre su obra titulada “El mundo en Llamas” escrita por el filosofo norteamericano David Johnson, académico de Universidad de Buffalo Nueva York, a través de la Editorial Pólvora.

«Tout ce qui est droit ment»
Javier Toro Blum y Benjamín Ossa
Galería Sobering
87 Rue de Turenne
París, Francia
11 de mayo al 17 de junio del 2017

www.soberinggalerie.com
www.benjaminossa.com
www.toroblum.com
www.edicionesdaga.com

Del 7 al 30 de abril, la Galería 1 del Museo Jumex presentará El Instituto de la Telenovela, instalación que forma parte de «Dramatis Personæ», una exposición antológica de Pablo Helguera, que se llevará a cabo a lo largo de dos años en la Galería 1 del Museo Jumex, así como en otras sedes fuera del museo.

Bajo la modalidad de “entregas”, más que ocupar una sala durante tres meses, Dramatis Personæ se realizará en ocho tiempos a lo largo de un período extendido entre 2017 y 2018, presentando cuatro obras (alguna ya realizadas, otras inéditas) que constan de un componente de performance y otro expositivo —que permanece de tres a cinco semanas en sala— y cuatro performances individuales (algunos ya realizados y otros concebidos especialmente para este proyecto) que se alternan con la presentación de las instalaciones.

La primera presentación es El Instituto de la Telenovela, obra realizada por primera vez en 2002. La instalación toma la forma de un instituto público dedicado al estudio e investigación de la telenovela, presentando material de archivo, objetos de utilería y material audiovisual relacionado con este género televisivo. Dicho proyecto cerrará el día sábado 29 de abril con una mesa redonda en torno al fenómeno mundial de las telenovelas, la cual contará con la presencia de expertos en el tema.

Pablo Helguera (Ciudad de México, 1971) vive y trabaja en Nueva York. Su obra abarca diversos medios y lenguajes, instalación, escultura, fotografía, dibujo, prácticas sociales, pedagogía y performance. Asimismo, aborda una variedad de temáticas, entre ellas, la historia, la pedagogía, la sociolingüística, la etnografía, la memoria y lo absurdo, en formatos variados que incluyen la conferencia, dispositivos museográficos, performance musical y ficción escrita, entre otros.

La intersección entre su trabajo como educador y su práctica artística ha sido constante a lo largo de su trayectoria. Su obra a menudo reflexiona sobre temas relacionados con la interpretación, el diálogo y el papel de la cultura contemporánea en el contexto de una realidad global.

Este Sábado 8 de Abril de 2017 a las 12.00 se inaugurará «De la circulación de las imágenes», la última muestra del artista chileno Juan Castillo en Galería Tajamar.

Castillo está actualmente radicado en Suecia, pero sigue manteniendo el vínculo con el territorio a través de exploración de materiales austeros e instalaciones que reflexionan en torno a las identidades de las personas que en ningún caso tiene que ver con límites y fronteras, sino que de los espíritus humanos, las personalidades y las relaciones.

«De la circulación de las imágenes» – Juan Castillo
Galería Tajamar
Avenida Providencia 1100, patio interior.
Sábado 8 de Abril de 2017, 12.00 hrs.

Desde este pasado 29 de Marzo hasta el 4 de Junio de 2017, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea en Milán, presenta MEA CULPA, la primera retrospectiva en Italia, dedicada al artista conceptual Santiago Sierra, curada por Diego Sileo y Lutz Henke.

Nacido en 1966 en Madrid, desde hace casi treinta años, su obra se ha ido moviendo en el terreno de la crítica a las condiciones socio políticas contemporáneas.

Como portador de la oscura verdad de nuestro tiempo, Sierra es a menudo estigmatizado por sus actuaciones intensas y ambiguas. Sin embargo, su lenguaje visual, su complejo y enérgico simbolismo y el hecho de que están sumidos en la realidad de las personas, dan un raro impacto emocional. Las obras de Sierra han sido expuestas en importantes museos e instituciones de todo el mundo; En 2003, representó a España en la 50ª Bienal de Venecia. La exposición en PAC reúne por primera vez las obras políticas más emblemáticas y representativas de Santiago Sierra desde los años 90 hasta la fecha, junto con la documentación de muchas de sus performances en el mundo, nuevas producciones y reactivaciones de instalaciones y acciones pasadas.

Con la exposición de Santiago Sierra, PAC lanza el primero de las cuatro storylines en los cuales se basa su calendario anual, que propone exposiciones de reconocidos y establecidos artistas del panorama internacional del arte cada año en miart fair.

Promovido por el Municipio de Milán y producido por el PAC en conjunto con Silvana Editoriale, la exposición abrirá al inicio de la Art Week, un programa de eventos en Milán dedicado al arte contemporáneo.

PROGRAMA PÚBLICO

CADA MARTES Y JUEVES Conferencias, charlas y talleres

CADA JUEVES Y DOMINGO Visitas guiadas gratuitas

DOMINGO 2 DE ABRIL boleto especial de la Semana de Arte y visitas guiadas gratuitas – 16:30 horas por curador y 6 pm

LUNES 3 DE ABRIL «NO», proyección de  Global Tour FILM con el artista en la Cineteca Spazio Oberdan – 20:30

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Producido por Comune di Milano – Cultura, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Silvana Editoriale