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La Fundación Suiza para la cultura Pro Helvetia presenta «COINCIDENCIA» (2017-2020), un programa cuyo objetivo es promover intercambios culturales entre artistas suizos y sudamericanos, crear nuevos proyectos de colaboración y facilitar la presencia de las artes suizas en las plataformas de la región.

Pro Helvetia, The Swiss Arts Council, es una fundación pública fundada por el Gobierno de Suiza, dedicada a promocionar la creación artística tanto en Suiza como a través de redes de trabajo e intercambio en el extranjero. Hoy, la Fundación está internacionalmente presente con Oficinas de Enlace en El Cairo, Johannesburgo, Nueva Deli, Shanghái y Moscú, además de un centro cultural en París y otras próximas presencias en Nueva York, Roma, Milán, Venecia y San Francisco.

Dentro de este contexto y calendario, es que Pro Helvetia tendrá un intenso programa de intercambio con Sudamérica entre el 2017 y 2010, que le permitirá al escenario cultural suizo tener acceso a plataformas artísticas y de creación en la región, además de un rico intercambio pluralista. Así, el programa pretende testear e identificar las oportunidades para la futura Oficina de Enlace, y crear una relación mutua y relevante para poder alimentar las actividades.

 

«COINCIDENCIA» Apertura y lanzamiento en Santiago de Chile

 

Dentro de este contexto de apertura local de «COINCIDENCIA» en Sudamérica, el próximo 5 de Octubre de 2017 tendrá lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile el primer lanzamiento del programa para Sudamérica, coincidiendo en la fecha con la Inauguración de la 13ª Bienal de Artes Mediales de Chile, uno de los eventos culturales más importantes del escenario nacional
artístico donde una de sus principales y más grandes sedes será el mismo Museo.

A través del programa de intercambio cultural «COINCIDENCIA» Pro Helvetia pretende facilitar la presencia de la escena artística suiza en las plataformas profesionales de América del Sur, promover el intercambio cultural y estimular nuevos proyectos conjuntos. Gracias a este programa, se abren nuevas oportunidades en la región sudamericana para las artes suizas.

 

MULTIPLICANDO LOS FORMATOS


«COINCIDENCIA»
apoya los proyectos de sus asociados de América del Sur y Suiza en sus más
diversos formatos: exposiciones, intercambios, plataformas de investigación, giras de
espectáculos, coproducciones, traducciones y viajes de pesquisa. Además, fortalece el
pensamiento crítico artístico mediante la circulación de personas y contenidos, el intercambio de herramientas entre artistas y pone en contacto iniciativas autónomas, curadores, festivales e instituciones.

Dentro de este contexto y calendario, es que Pro Helvetia tendrá un intenso programa de intercambio con Sudamérica entre el 2017 y 2010, que le permitirá al escenario cultural suizo tener acceso a plataformas artísticas y de creación en la región, además de un rico intercambio pluralista.

 

«COINCIDENCIA» Intercambios culturales Suiza-América del Sur
Un programa de La Fundación Suiza para la cultura Pro Helvetia

Apertura y lanzamiento en Santiago de Chile
Jueves 5 de Octubre de 2017, 10.00 AM
Museo Nacional de Bellas Artes
Avenida José Miguel de la Barra 650
Santiago, Chile

 

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ALMA ZEVI presenta a la artista suiza Heidi Bucher (1926 -1993), y al artista americano Gordon Matta-Clark (1943 – 1978).

FLOORS exhibirá la obra de Heidi Bucher y Gordon Matta-Clark de los años setenta. Toma sus distorsiones obsesivas y la re-imaginación de la arquitectura. Los dos artistas realizaron trabajos que evadieron la categorización al fusionar elementos de escultura, pintura y actuación. Gordon Matta-Clark cortaba las superficies y estructuras de los edificios, creando cavidades frágiles y pozos de luz inesperados. Mientras tanto, Heidi Bucher realizó pisos y paredes con resinas y látex, creando nuevas superficies que son ásperas y elegantes al mismo tiempo.

La serie “Bronx Floors” (1972) de Gordon Matta-Clark, que se muestra en ALMA ZEVI, es el resultado de haber cortado partes de tablas y el techo de un edificio residencial abandonado en el Bronx, Nueva York. Haciéndolo, radicalmente volvió a montar el espacio. Este trabajo cuestiona directamente nuestra experiencia de caminar, de estar de pie, o incluso el conceptp de la gravedad. Rasgando la arquitectura lejos de la funcionalidad, redefiniendo su forma, esculpiendo con la luz y el espacio, esta es una obra seminal no sólo en la obra de Gordon Matta-Clark en su conjunto, sino en el arte de los últimos 50 años.

Entre 1976 y 1978, Heidi Bucher se encontraba en Zurich y realizaba de igual manera trabajos que marcaron precedentes en su tiempo. Expuesto en ALMA ZEVI hay tres inquietos y poéticos Borg Floors. Éstos son los moldes del piso de lo que ella llamó “el Borg” – su estudio del sótano en Zurich, que anteriormente había sido un cuarto congelador de carnicero. Los pisos del Borg son bellamente texturizados, evocadores y misteriosos. Esta exposición explora la sensualidad del enfoque de Heidi Bucher, donde una pared o piso se convierte en una piel. Las piezas de Borg la consolidan como una artista que superó el concepto profundamente atrasado de ser una “gran mujer artista”, para tomar su lugar apropiado como “un gran artista”, cuyo trabajo también se incluye en la Bienal de Venecia de este año.

En 1972 Heidi Bucher y su esposo Carl Bucher colaboraron para crear una pieza de arte de performance: Body Shells. En el mismo año, Carol Goodden, compañera de Gordon Matta-Clark, participó en su performance, Tree Dance. Ambos fueron filmados, y ahora se muestran juntos por primera vez en ALMA ZEVI. Estos films altamente experimentales combinan la coreografía y la danza, el arte de la performance y la escultura específica del lugar.

Para conmemorar la inauguración de la exposición, el Teatrino Grassi proyectará películas de Heidi Bucher y Gordon Matta-Clark. Las proyecciones se llevarán a cabo el viernes 22 de septiembre, a partir de las 6.30pm, y el sábado 23 de septiembre, de 10h a 19h (inicio de cada sesión a las 10h, 13h, 14h30, 16h y 17h30).

 

FLOORS : La exhibición bipersonal de Heidi Bucher & Gordon Matta-Clark
Private view: 22 de Septiembre, 6 – 9 pm
23 de Septiembre- 21 de Diciembre, 2017
ALMA ZEVI
San Marco 3357
Salizada San Samuele
30124 Venecia, Italia

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Heidi Bucher, Gordon Matta-Clark, FLOORS at ALMA ZEVI, VeniceHeidi Bucher trabajando en “the Borg”, Zurich (alrededor de 1977). Cortesía de The Heidi Bucher Estate

 

Mañana Martes 5 de septiembre a las 12:00 horas se inaugurará en la Galería de la Memoria del Museo  de la Memoria y los Derechos Humanos, la exposición “Secretos de Estado” , curada por el destacado investigador Peter Kornbluh en la cual se mostrará una selección de documentos desclasificados que nos permiten entender la historia secreta del golpe de Estado y la dictadura chilena junto al apoyo que entregó EE.UU., tanto a la Junta Militar como a medios de comunicación.

Kornbluh, es reconocido internacionalmente por desclasificar más de 23.000 archivos de la CIA, del FBI, de la NSC, de la Casa Blanca de la Defensa y del Departamento de Estado de los Estados Unidos, relacionados con la dictadura militar de Chile. Se ha desempeñado por más de 30 años como Analista Senior en el Archivo de Seguridad Nacional en EE.UU, una organización sin fines de lucro en donde es director del proyecto de Documentación de Chile, lo cual lo ha hecho vincularse con varios casos de derechos humanos, como la investigación del juez Juan Guzmán sobre los crímenes de la Operación Cóndor, el asesinato de Charles Horman y Frank Teruggi, o la desaparición de Boris Weisfeiler, entre otros, proporcionando testimonios de expertos y documentación como prueba.

Dentro de las actividades en su visita, hoy Lunes 5 de Septiembre, a las 19.00 tendrá lugar el conversatorio  “Proceso de desclasificación de documentos sobre la dictadura chilena” donde la periodista Mónica González, directora de CIPER Chile entrevistará en profundidad al investigador.

 

“Secretos de Estado” – Una muestra curada por Peter Kornbluh
5 de Septiembre, 2017 – 18  de Marzo, 2018

 

“Proceso de desclasificación de documentos sobre la dictadura chilena”  – Un conversatorio entre la periodista Mónica González, directora de CIPER Chile y el investigador.
Lunes 4 de Septiembre, 2017, 19.00 hrs

 

Museo de la Memoria y los Derechos Humanos
Matucana 501, Santiago, Chile

 

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Estamos encantados de anunciar nuestra alianza con la última versión de la 13ª Bienal de Artes Mediales de Chile, que se llevará a cabo entre el 5 de octubre y el 5 de noviembre de 2017, bajo el título y concepto curatorial de “TEMBLOR”.

Para ello, realizamos la última convocatoria abierta a la 13ª edición del Concurso Juan Downey a artistas de América Latina y del mundo cuyas prácticas artísticas se basan en el video y las artes mediales.

La Bienal de Artes Mediales fue creada por la Corporación Chilena de Video como una respuesta al vacío dejado por el acabado del Festival de Video Arte Franco- chileno, teniendo su primera versión en 1993. El encuentro se plantea y dispone como una instancia de diálogo, diseminación e intercambio de trabajos en arte medial e investigación a partir de algoritmos y el ambiente digital. Hoy además, se da cada vez con mayor impacto, el cruce entre los distintos campos y disciplinas que hacen converger al arte, tecnología y ciencia.

“Temblor” está conformada por distintas secciones, venues y actividades tales como laboratorios, conferencias, conciertos audiovisuales y encuentros de experiencias creativas y de intercambio. Así, dentro de este contexto es que tendrá lugar el Concurso Juan Downey en su xx edición y que es un homenaje al artista chileno, actualizando permanentemente el lenguaje y significado de su obra.

Juan Downey fue un artista chileno pionero del video arte en Chile y el mundo, donde lo visual no solo expresa la intersección de nuevas tecnologías, sino que además la confluencia de culturas y desplazamiento de éstas, el lenguaje y las imágenes. Downey en sus piezas audiovisuales o instalaciones cuestionaba a su tiempo, la política, los paradigmas y conceptos de identidad, siendo “Trans-América” una de sus serie más reconocidas, donde viajo por distintos países del continente registrando los puntos comunes o disímiles entre los diferentes lugares y sociedades. Este proyecto no solo tuvo un carácter documental, sino que se impone como una obra capaz de expresar un mapeado cultural.

El concurso Juan Downey dentro de la 13ª Bienal de Artes Mediales “Temblor” hace un open call a todos los artistas y personas que trabajen con narrativas en video arte y nuevas tecnologías para participar del ya reconocido evento en Chile.

 

Deadline: Agosto 31, 2017

Bases y aplicación: http://www.bienaldeartesmediales.cl/13/concurso-juan-downey/

 


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“Post Data”
es la muestra individual del artista Gabriel Holzapfel que será expuesta en Galería Metales Pesados Visual desde este 11 de Agosto al 22 de Septiembre de 2017. La muestra consiste en una serie de trabajos de corte instalativo y también bidimensionales, que apelan al pasado y la memoria reciente. Las obras presentes proponen una mirada particular hacia la historia, destacando aquellos relatos que han sido silenciados u omitidos, esto mediante objetos encontrados e intervenidos, residuos y frottages.

La producción de Gabriel Holzapfel se caracteriza por trabajar poéticamente las políticas de la memoria, sus métodos de inscripción y circulación. Su obra destaca por plantear zonas de reflexión mediante el uso de materiales de desecho y la intervención de objetos antiguos, a su vez, utiliza el lenguaje coloquial para entablar un diálogo efectivo entre el campo del arte y el de la cultura popular. El carácter político de su trabajo se desarrolla en torno a una revisión crítica de la memoria nacional, incluyendo también la de su propia familia, cuestión que activa un cariz tanto colectivo como personal en sus obras.

Post Data – Gabriel Holzapfel
11 de Agosto – 22 de Septiembre, 2017
Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago, Chile

LISTA NEGRA, Gafito sobre madera. 2016

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Hoy Miércoles 12 de Julio a las 18.30 hrs, una tarde con Alejandro Jodorowsky, que incluye un conversatorio y una lectura pública del tarot, será presentada por el MoMA PS1.

Además, Klaus Biesenbach, Director del MoMA PS1 y Curador en Jefe de The Museum of Modern Art, se unirá a Jodorowsky para una conversación acerca del próximo film “Endless Poetry”, la secuela autobiográfica de “The Dance of Reality”, que repasa el tiempo en que era un joven poeta en Santiago, y que incluye la actuación de su hijo Adan Jodorowsky, caracterizando a su propio padre como un joven hombre explorando su interés por la lectura del tarot.

Por muchos años, Jodorowsky ha estado dedicado a la práctica del tarot como un recurso para la percepción psicológica e inspiración creativa. Como parte de este programa especial, él tendrá con la audiencia una lectura pública única para 22 personas. Un discípulo del Tarot de Marsella, que viene originalmente del siglo XVI, Jodorowsky utilizará una baraja de tarot que ayudó a diseñar para introducir al público a las tarjetas y cómo éstas pueden enseñar a uno “a crear”.

 

Una tarde con Alejandro Jodorowsky
Alejandro Jodorowsky + Klaus Biesenbach
Miércoles 12 de Julio – 2017, 18.30 hrs
MoMA PS1
22-25 Jackson Avenue, Queens

 

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Bill Viola: A Retrospective en el Guggengheim de Bilbao es una retrospectiva temática y cronológica de la carrera del artista que comienza con sus primeros videos de un solo canal, entre ellos icónicas obras como The Reflecting Pool (1977-79) y el álbum compilatorio Four Songs (1976) . Estas creaciones altamente poéticas abordan algunos de los temas más importantes de la producción de Viola: la noción de tiempo y su deconstrucción, las investigaciones sobre la existencia humana y la experimentación con grabaciones y manipulación del ambiente y sonidos de la naturaleza

Comenzó a sumar elementos físicos lo que continuó durante los ’90s, sus estudios sobre la percepción y los asuntos espirituales que se materializaron en forma de objetos escultóricos, como se puede ver en los monitores desnudos de Heaven and Earth (1992) y grandes obras como Slowly Turning Narrative (1992) con su enorme pantalla giratoria.

Con la llegada del nuevo milenio y el advenimiento de las pantallas planas de alta definición, Viola comenzó a producir piezas de pequeño y mediano formato en una serie titulada The Passions, un estudio de las emociones en cámara lenta, como Surrender, o que representan el paso del tiempo y las generaciones, como en Catherine’s Room, and Four Hands (2001).

Durante la última década, a través de una amplia variedad de medios y formatos, Viola ha continuado en su trabajo describiendo la experiencia fundamental de la vida. Esto es elocuentemente ilustrado por el uso del agua en obras como The Innocents (2007), Three Women (2008) y The Dreamers (2013), y su viaje a través del ciclo de la vida, que comienza en esta exposición con Heaven and Earth(1992) y literalmente “rebobina” en el trabajo final Inverted Birth (2014).

 

Bill Viola (Nueva York, 1951) es uno de los artistas más destacados de nuestro tiempo, ampliamente reconocido como uno de los pioneros en el desarrollo del videoarte, un medio que descubrió a principios de los años ’70s mientras estaba inscrito en el programa “Experimental Studios” En la Syracuse University, Nueva York. Incluso en sus primeros videos es evidente que el enfoque de la vida de Viola sería la búsqueda del autoconocimiento a medida que se iba influenciado por sus lecturas de místicos orientales y occidentales y textos espirituales.

 

Bill Viola : A Retrospective
June 30 – November 9, 2017
Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España

 

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Imagen 1: Caminando sobre el filo (Walking on the Edge), 2012. Vídeo de alta definición en color sobre pantalla plana montada en la pared.
Imagen 2: Mujer fuego (Fire Woman), 2005. Instalación de vídeo y sonido. Proyección de vídeo de alta definición en color; cuatro canales de sonido con altavoz de graves (subwoofer 4.1).
Imagen 3: Hombre en busca de la inmortalidad/Mujer en busca de la eternidad (Man Searching for Immortality/Woman Searching for Eternity), 2013. Instalación de vídeo. Díptico de vídeo de alta definición en color proyectado sobre dos losas verticales de granito negro apoyadas contra una pared.
Imagen 4: Vigilia nocturna (Night Vigil), 2005/2009. Instalación de vídeo. Díptico de vídeo retroproyectado en color, sobre dos pantallas de grandes dimensiones montadas en la pared en una sala oscura.
Imagen 5: Nacimiento invertido (Inverted Birth), 2014. Instalación de vídeo y sonido. Vídeo de alta definición en color proyectado sobre pantalla vertical fijada en el suelo en una sala oscura; sonido estéreo con altavoz de graves (subwoofer).
Imagen 6: Velos (The Veiling), 1995. Instalación de vídeo y sonido. Dos canales de vídeo de alta definición en color proyectados desde lados opuestos de una gran sala oscura, que atraviesa nueve grandes velos suspendidos del techo; dos canales de sonido monoaural amplificado, cuatro altavoces.

Todas las imágenes © Bill Viola y Museo Guggenheim Bilbao

 

SixtyEight Art Institute  está actualmente exhibiendo la muestra colectiva “Money Laundering”, cuarada por Rodolfo Andaur con los artistas Albano Afonso, Ana Alenso, Lehman Brothers, Alejandro Gómez Arias, Kristian Touborg y Andrés Vial.

“Money Laundering” es una exposición colectiva de arte sonoro, escultura, video y fotografía de artistas de diferentes regiones del mundo, que desea generar una reflexión analítica sobre el poder, los negocios y el papel de la corrupción en todo el sistema que está superando muchas situaciones, lugares y naciones.

La investigación de esta exposición tiene su base en la búsqueda por destacar a artistas que trabajan con diferentes niveles de intervención e investigación artística, tratando contextualmente diversos puntos de entrada con las implicaciones estéticas y políticas de la corrupción como un “normal” cotidiano. La exhibición toma su título de los diferentes fenómenos del fraude, extorsión, lavado o alteración de las convenciones establecidas y legales del dinero.

En este sentido, este proyecto intenta estudiar algunas de las condenas en torno a los temas de corrupción global, especialmente las formas en que el ser está cada vez más vinculado al lavado de dinero como proceso y como un fenómeno que capitaliza nuestra comprensión cultural, política y económica. democracia liberal.

Entender cómo estas fromas son lavadas para lograr la globalización, nos ofrece posibles rutas para que las ideas artísticas puedan converger y crear espacios en los que preguntar, contestar, cortar o mutar la corrupción – ¿Tal vez en sus propios términos globales y como nuevas instituciones? Esto parecería ser una alternativa que tenemos para manifestar nuestro rechazo y tal vez usarla como una semilla para la acción colectiva.

Con este fin, el “Money Laundering” habla a través de diferentes materiales, notas, informes y diversos aspectos técnicos, donde los artistas invitados reflexionan sobre las diferentes lecturas paralelas de las formas de “lavado” que se entrecruzan con nuestra contemporaneidad global y subjetividad.

 

Money Laundering – Una exhibición colectiva curada por Rodolfo Andaur
Hasta el 8 de Julio de 2017
SixtyEight Art Institute, Gothersgade 167, Kbh K, Copenhague, Dinamarca

 

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“Intervalo peatonal”
es la muestra del fotógrafo Sebastián Mejía que será expuesta en Galería Metales Pesados Visual del 20 junio al 3 de agosto del 2017. Esta muestra está compuesta por una serie fotográfica que continúa la exploración del paisaje urbano investigado por Sebastian Mejía hace más de 10 años.

En “Intervalo peatonal”, el fotógrafo se enfoca en detalles de sus recorridos por la ciudad, empleando el caminar como una herramienta clave del proceso artístico y volviendo a las veredas verdaderas protagonistas de cada historia.

Las fotografías en blanco y negro continúan en cierta forma con la tradición de la fotografía callejera emblemática del S. XX, pero informada, esta vez, por el arte conceptual, el land art y las derivas situacionistas. El resultado es entonces un exponente de lo que puede ser la fotografía contemporánea latinoamericana, arraigada en su historia, pero abierta a las posibilidades del uso de la imagen como parte de las artes plásticas.

En palabras de Nathalie Goffard, curadora de la muestra:

“Esta es la historia de alguien que trataba de… realizar por años exactamente el mismo camino pero para siempre llegar a otro lugar. La imposibilidad de lo invariable en un mismo itinerario era algo así como el leitmotiv de su trayecto…

…La persistencia e insistencia de todo lo anodino era mucho más atractivo visualmente que la inmutabilidad. Y por lo mismo, las mejores secuencias a coreografiar eran aquellas que incluían los silencios de los espacios vertiginosos: las pequeñas depresiones, los surcos que no dejaban ver en su interior y los bordes irregulares. Cuando quería hacer más ruido escogía manchas y residuos.

.Caminar como quien escribe partituras y siempre tener la capacidad de encontrar algo para hacer un nuevo leitmotiv. Todo servía, las diagonales, las convergencias, los ángulos o los desniveles. Las sombras, los quiebres, los velos y las rasgaduras. [El fotógrafo] Lograba tal nivel de mimetismo con el trayecto, que cada vez que algo cambiaba, lo llegaba a sentir sobre sí mismo. Como si ese recorrido y el propio cuerpo formaran el mismo y único palimpsesto, en el que se iban sumando capas de historia y de memoria.”

Intervalo Peatonal – Sebastián Mejía
Inauguración: Martes 20 de Junio de 2017, 19.30 hrs.
Galería Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago, Chile

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América Latina es una tierra de profundos contrastes, tanto geográfica como culturalmente. Su historia, es la historia de la confrontación permanente entre la abstracción y la naturaleza, el orden y el caos, la razón y la intuición. En su esencia más profunda, la identidad latinoamericana puede ser entendida como una síntesis dialéctica de estas fuerzas primordiales, en tensión permanente. Y esto a su vez ha determinado el carácter de sus producciones culturales, particularmente en el campo de la creación visual.

“Raue Strömung”, la primera exposición de la plataforma para artistas latinoamericanos Kap Hoorn, está constituida por el más reciente trabajo, creado especialmente para la exhibición de 10 artistas chilenos residentes en Berlín. Más allá de su diversidad natural en términos formales, comparten como característica común una marcada sensibilidad con lo material. Las cualidades expresivas de esta materialidad, que va desde el metal, el vidrio, los textiles, el papel, la cerámica, la plastilina hasta los “objets trouvés”, son puestas en valor a través de cuidadosos procesos de transformación que por su naturaleza sutil se refieren al trabajo de orfebres y artesanos, quienes no fuerzan el sustrato material, pero saben cómo entender el asunto en su forma más profunda.

Este “know-how” con lo material es el terreno fértil que permite emerger a las raíces identitarias, dialogar y fructificar: a partir de patrones geométricos abstractos relacionados con la tradición latinoamericana del arte cinético y las iconografías indígenas, con la presencia del paisaje con toda su carga telúrica-simbólica; desde la complejidad de los tejidos hechos con las huellas del desgaste y de la memoria, a la riqueza de las cartografías míticas y de los dibujos a mano alzada cargados con signos.

En el trabajo de estos artistas, la abstracción y la sensualidad, Brasilia y Macondo, estas fuerzas y las visiones primordiales que dieron forma a esa compleja realidad que llamamos América Latina, convergen nuevamente en una síntesis alquímica notable y única:” Raue Strömung”.

Este muestra colectiva presenta obras de Paula Anguita, Jacinta Besa, José Délano, Muriel Gallardo, Marcela Moraga, María Muñoz, Amalia Valdés y Pablo Zuleta.

 

16 – 29 de Junio, 2017
Inauguración: 15 de Junio de 2017, 19.00 hrs
Galerie Eigeinheim
Linienstraße 130, 10115, Berlin Mitte, Germany

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Más de 30 años de carrera artística celebra el destacado artista nacional Arturo Duclos con esta exposición titulada “El Fantasma de la Utopía”, la cual ocupará el espacio principal del MAVI (5 salas) y la Plaza Mulato Gil de Castro con el fin de hacer una metáfora del decaimiento de estos ideales a través de una mezcla con las narrativas locales latinoamericanas, especialmente representada por sus fiestas populares religiosas y el kitsch.

Bajo la curaduría del español Paco Barragán, esta muestra ya tuvo una primera versión en una céntrica calle de la ciudad de Toronto, en Canadá, en el marco del Festival de Arte Internacional La Nuit Blanche del mes de octubre de 2016, con una superficie de banderas dispuestas sobre el pavimento, a modo de intervención pública (http://nbto.com/ ).

“El Fantasma de la Utopía” explora el sentido político de la utopía en el continente americano, contrastando los ideales libertarios que provienen de los diferentes grupos revolucionarios que trataron de imponer sus convicciones a través de la conciencia ideológica, la lucha armada y el terrorismo, inspirados en los grandes discursos revolucionarios del siglo XX. En palabras del propio artista: “recurro a la simbología y la iconología de las banderas de esos grupos y movimientos que, tradicionalmente, en Latinoamérica asociamos con el espíritu de liberación, otros mesiánicos y la utopía social: Tupamaros, EZLN, FARC, Sendero Luminoso, M-19, MIR, 26 de Julio, FPMR, MRTA , FSLN y otros tantos de menor duración, con el deseo de codificar el carácter fluctuante del texto semiótico y de la propia idea política de estos movimientos revolucionarios, en tanto que metáfora de alteración, ruptura y abandono como síndromes propios de la utopía”.

Después del MAVI, “El Fantasma de la Utopía” viajará a la Región del Biobío, donde se exhibirá en Chillán (Centro Cultural Alfonso Lagos) y Concepción (Sala Principal de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción), para luego presentarse en San Paulo, Brasil, y Buenos Aires, Argentina, en una circulación que se prolongará hasta el año 2019.


El Fantasma de la Utopía Arturo Duclos
Museo de Artes Visuales de Santiago (MAVI)
Calle José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.
Del 8 de junio al 20 de agosto de 2017

 

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To Chance To Wander es una muestra que reunió a diez artistas contemporáneos chilenos y estadounidenses en Fjord Space, ubicado en el barrio Kensington de la ciudad de Filadelfia, EE.UU., que finalizó este Sábado 27 de mayo del 2017, con el lanzamiento de un fanzine relacionado a la muestra, que prontamente estaremos mostrando en Rotunda Magazine.

 

¿Qué significa perderse hoy en día? ¿Qué significa buscar sin saber lo que se está buscando? ¿Cómo saber cuándo lo hemos encontrado? ¿Cómo el estado mental de la deriva cambia la percepción física del espacio y nuestro lugar dentro de él? Estas son algunas de las preguntas centrales del proyecto To Chance To Wander, compuesto por un grupo de artistas chilenos residentes en Santiago y de estadounidenses que trabajan en Filadelfia y Nueva York: Joe Boechynski  (US), Anthony Bowers  (US), Manuela Flores  (CL), Rafael Guendelman  (CL), Helen Mirra (US), Theo Mullen  (US), Paz Ortúzar (CL), Pablo Rivera  (CL), Paula Salas  (CL), Asha Sheshadri (US).

 

Deambular ha pasado de moda, utilizar tiempo en recorrer espacios nuevos o dialogar con desconocidos ha perdido valor y disminuido en una época en la que la relación tiempo/dinero es omnipresente, eco de nuestros saturados calendarios. Vagar por una ciudad es cada vez más difícil pues estamos continuamente encaminados por nuestros teléfonos celulares hacia algún destino inevitable mientras lidiamos con los desvíos dictados por Google Maps o Waze que garantizan la eficiencia del trayecto.

 

Los proyectos reunidos en esta exhibición exploran espacios urbanos y comunitarios de manera libre, buscando una ruptura con las estructuras digitales, políticas y culturales que nos han sido imperceptiblemente impuestas mientras navegamos por nuestras ciudades. Al concentrarse en urbes situadas en extremos opuestos de América, la muestra busca ampliar la discusión más allá de las normas culturales internas de cada una de ellas para aludir a las limitaciones y oportunidades propias de la contemporaneidad.

 

Paula Salas.Together. Dibujo, instrucciones y buzon para juego interactivo. Vista general 3 - Exposici¢n To Chance To Wander Anthony Bowers & PazOrt£zar. The Blue of Distance. Pintura y serigraf°a sobre papel Anthony Bowers To chance to wander 72dpi

 

 

Luego de su paso por la feria Art Lima los artistas Chilenos, Javier Toro Blum y Benjamín Ossa inauguran el próximo 11 de mayo en la galería parisina Sobering, la exposición que lleva como título “Tout ce qui est droit ment”, acompañada por un texto curatorial de Soledad García Saavedra. El punto de partida del proyecto se basa en las imágenes provenientes de Chile, un país que se percibe más narrativo que visual, según las palabras de los artistas. “Chile por su historia ha tenido a la escritura en su centro, desde la literatura hasta la política. Como acertadamente comenta Raúl Zurita en relación a Alonso de Ercilla: Chile antes que ser una Nación fue un Poema.” En esta exposición, los dos artistas desean poner en diálogo sus obras, de carácter abstracto, con esta idea mediante la inclusión de una narrativa en torno a sus trabajos.

 

Para eso utilizan en sus títulos citas de diferentes fuentes: desde la poesía, la música popular hasta guiones de cine. El título de la exposición “Todas las cosas derechas mientes” -una cita de “Así habló Zaratustra” de Friedrich Nietzsche – se refiere a la idea de que las obras, a pesar de ser geométricas y basadas en fenómenos concretos, varían en relación a la persona que interactúa con ellas; demostrando la imposibilidad de un sentido y una percepción única de la realidad.

 

Javier Toro Blum presenta obras lumínicas. Cajas la luz con un sistema de iluminación integrado detrás de una película opaca de forma geométrica. Así, la luz crea un aura alrededor de la forma convirtiendo la superficie que oculta la luz, en una superficie reflejante.

 

Las obras de Benjamín Ossa utiliza paneles metálicos superpuestos, trabajando el brillo o la opacidad del bronce o el aluminio, dispuestos a intervalos regulares. En cada panel, el artista hace un corte de una forma geométrica, cuyo tamaño se reduce gradualmente a medida que concéntricamente progresan las capas.

 

La muestra considera además la presentación de sus últimas publicaciones en la ciudad de París y Londres, “Libro Primero” de Benjamín Ossa y “Laboratorio Eigengrau” de Javier Toro Blum, ambos publicados por la editorial Chilena Ediciones Daga.

 

Benjamín Ossa además presentara su ultima publicación el día Miércoles 24 de Mayo a las 20:00hrs en la edición numero 26 de la feria ArteBA, Buenos Aires, junto al curador Argentino Rodrigo Alonso y el galerista Pablo de Sousa, bajo de el alero de Isla Ediciones.

 

Javier Toro Blum vuelve a Chile para lanzar una publicación sobre su obra titulada “El mundo en Llamas” escrita por el filosofo norteamericano David Johnson, académico de Universidad de Buffalo Nueva York, a través de la Editorial Pólvora.

 

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“Tout ce qui est droit ment”
Javier Toro Blum y Benjamín Ossa
Galería Sobering
87 Rue de Turenne
París, Francia
11 de mayo al 17 de junio del 2017

 

www.soberinggalerie.com
www.benjaminossa.com
www.toroblum.com
www.edicionesdaga.com

 

Del 7 al 30 de abril, la Galería 1 del Museo Jumex presentará El Instituto de la Telenovela, instalación que forma parte de “Dramatis Personæ”, una exposición antológica de Pablo Helguera, que se llevará a cabo a lo largo de dos años en la Galería 1 del Museo Jumex, así como en otras sedes fuera del museo.

Bajo la modalidad de “entregas”, más que ocupar una sala durante tres meses, Dramatis Personæ se realizará en ocho tiempos a lo largo de un período extendido entre 2017 y 2018, presentando cuatro obras (alguna ya realizadas, otras inéditas) que constan de un componente de performance y otro expositivo —que permanece de tres a cinco semanas en sala— y cuatro performances individuales (algunos ya realizados y otros concebidos especialmente para este proyecto) que se alternan con la presentación de las instalaciones.

La primera presentación es El Instituto de la Telenovela, obra realizada por primera vez en 2002. La instalación toma la forma de un instituto público dedicado al estudio e investigación de la telenovela, presentando material de archivo, objetos de utilería y material audiovisual relacionado con este género televisivo. Dicho proyecto cerrará el día sábado 29 de abril con una mesa redonda en torno al fenómeno mundial de las telenovelas, la cual contará con la presencia de expertos en el tema.

Pablo Helguera (Ciudad de México, 1971) vive y trabaja en Nueva York. Su obra abarca diversos medios y lenguajes, instalación, escultura, fotografía, dibujo, prácticas sociales, pedagogía y performance. Asimismo, aborda una variedad de temáticas, entre ellas, la historia, la pedagogía, la sociolingüística, la etnografía, la memoria y lo absurdo, en formatos variados que incluyen la conferencia, dispositivos museográficos, performance musical y ficción escrita, entre otros.

La intersección entre su trabajo como educador y su práctica artística ha sido constante a lo largo de su trayectoria. Su obra a menudo reflexiona sobre temas relacionados con la interpretación, el diálogo y el papel de la cultura contemporánea en el contexto de una realidad global.

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Este Sábado 8 de Abril de 2017 a las 12.00 se inaugurará “De la circulación de las imágenes”, la última muestra del artista chileno Juan Castillo en Galería Tajamar.

 

Castillo está actualmente radicado en Suecia, pero sigue manteniendo el vínculo con el territorio a través de exploración de materiales austeros e instalaciones que reflexionan en torno a las identidades de las personas que en ningún caso tiene que ver con límites y fronteras, sino que de los espíritus humanos, las personalidades y las relaciones.

 

“De la circulación de las imágenes” – Juan Castillo
Galería Tajamar
Avenida Providencia 1100, patio interior.
Sábado 8 de Abril de 2017, 12.00 hrs.

 

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Desde este pasado 29 de Marzo hasta el 4 de Junio de 2017, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea en Milán, presenta MEA CULPA, la primera retrospectiva en Italia, dedicada al artista conceptual Santiago Sierra, curada por Diego Sileo y Lutz Henke.

 

Nacido en 1966 en Madrid, desde hace casi treinta años, su obra se ha ido moviendo en el terreno de la crítica a las condiciones socio políticas contemporáneas.

 

Como portador de la oscura verdad de nuestro tiempo, Sierra es a menudo estigmatizado por sus actuaciones intensas y ambiguas. Sin embargo, su lenguaje visual, su complejo y enérgico simbolismo y el hecho de que están sumidos en la realidad de las personas, dan un raro impacto emocional. Las obras de Sierra han sido expuestas en importantes museos e instituciones de todo el mundo; En 2003, representó a España en la 50ª Bienal de Venecia. La exposición en PAC reúne por primera vez las obras políticas más emblemáticas y representativas de Santiago Sierra desde los años 90 hasta la fecha, junto con la documentación de muchas de sus performances en el mundo, nuevas producciones y reactivaciones de instalaciones y acciones pasadas.

 

Con la exposición de Santiago Sierra, PAC lanza el primero de las cuatro storylines en los cuales se basa su calendario anual, que propone exposiciones de reconocidos y establecidos artistas del panorama internacional del arte cada año en miart fair.

 

Promovido por el Municipio de Milán y producido por el PAC en conjunto con Silvana Editoriale, la exposición abrirá al inicio de la Art Week, un programa de eventos en Milán dedicado al arte contemporáneo.

 

PROGRAMA PÚBLICO

CADA MARTES Y JUEVES Conferencias, charlas y talleres

CADA JUEVES Y DOMINGO Visitas guiadas gratuitas

DOMINGO 2 DE ABRIL boleto especial de la Semana de Arte y visitas guiadas gratuitas – 16:30 horas por curador y 6 pm

LUNES 3 DE ABRIL “NO”, proyección de  Global Tour FILM con el artista en la Cineteca Spazio Oberdan – 20:30

Producido por Comune di Milano – Cultura, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Silvana Editoriale

 

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Hoy Sábado 1 de abril a las 18.00 horas, el artista Arturo Duclos (1959) realizará una performance denominada “Polvo de estrellas” en el subterráneo de la Galería Metales Pesados Visual, ubicado en Merced 316, Santiago Centro.

“Polvo de Estrellas” es una performance que reflexiona sobre la propuesta del origen científico de la vida biológica en la tierra. La idea fue acuñada por el astrónomo Harlow Shapley, en 1929, quien enuncio que los seres orgánicos que nos llamamos seres humanos estamos hechos de la misma materia que las estrellas. Lo que se habría producido por el carbono que viajó a través de las galaxias en las explosiones de supernovas, creando huracanes de polvo que finalmente dieron origen en nuestro planeta y en su vida orgánica, posibilitando así la existencia humana.

En esta performance, el artista indaga sobre la poiesis del ciclo vital junto con la generación de estos componentes químicos, en un acto de reducción inversa desde el mismo cuerpo humano, conectando las grandes preguntas que surgen desde las cosmogonías locales y las interpretaciones sobre el origen del mundo que provienen desde la ciencia y la religión.

La propuesta tiene un origen ritual y filosófico, que nos plantea cómo desde la interpretación de la brutalidad de los eventos cósmicos, se pueden desencadenar procesos de creación que nos permiten elaborar las grandes narrativas culturales e ideológicas que conforman la cultura humana.

POLVO DE ESTRELLAS
Un performance de Arturo Duclos
Sábado 1 de Abril de 2017, 18.00
Galería Metales Pesados Visual
Merced 316, Santiago

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Hoy 28 de Marzo de 2017, se inaugura a las 19.30 hrs. la muestra Acción Monumenta del Colectivo MICH en Galería Macchina.


Acción Monumenta
es el resultado de un proceso de creación artística en colaboración entre el colectivo MICH y diversas agrupaciones sociales de la localidad de Matilla, en la comuna de Pica, región de Tarapacá. Las actividades que se realizaron, y que constituyen el argumento de la muestra, ocurrieron en el contexto de las Residencias de Arte Colaborativo coordinadas por Red Cultura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y Servicio País (Programa de intervención social de la Fundación Superación de la Pobreza).

 

El trabajo comenzó a finales de septiembre de 2016, y consistió en la elaboración de vínculos entre el MICH con distintas agrupaciones sociales de la comunica de Pica, como el Club Social y Cultural Cachimbo Matillano “Regina Bejarano y Rogelio Loayza”, Jiwasa Oraje (la Ecozona de Matilla), Agrupación Barro Mágico de Pica y la Escuela Nueva Extremadura de Matilla. Específicamente, con esta última institución, el colectivo llevó a cabo su obra Acción Monumenta. Esta se pensó como un proceso artístico a través del cual dar cuenta de la diversidad cultural de Matilla. Este objetivo se llevó a cabo mediante el diseño y confección colectiva de banderas en las que se interpelaran simbólicamente distintos aspectos de la vida cotidiana del pueblo, tales como: el clima, la vegetación, la comida y la economía local.

 

Para la misma inauguración, tocarán Diego Lorenzini y Chini & The Technicians.

 

28 de Marzo – 19.30 hrs
Galería Macchina
Campus Oriente de la Pontifica Universidad Católica
Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Ñuñoa

 

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Magnolia Pictures ha lanzado el trailer de “BURDEN”, un documental de la vida y obra del artista y performer norteamericano:

 

“Chris Burden garantizó su lugar en la historia del arte en 1971 con un período de performances muchas veces peligrosas, mientras que todavía era estudiante en California.

Él mismo se disparó (Shoot, 1971), encerró (Five Day Locker Piece, 1971), electrocutó (Doorway to Heaven, 1973), cortó(Through the Night Softly, 1973), se crucificó (Trans-fixed, 1974), y anunció en la televisión (4 TV Ads, 1973–77). Burden, performer, a finales de los ’70s se reinventó artísticamente, creando una multitud de ensamblajes, instalaciones, esculturas cinéticas y estáticas y modelos científicos, incluyendo Urban Light (2008) en Los Angeles County Museum of Art (LACMA).

 

Su trabajo ha influido en una generación de artistas y ha sido exhibido en todo el mundo, pero la naturaleza provocativa de su arte junto con su sentido de la privacidad significa que la mayoría de la gente conoce al mito más que al hombre. Ahora, después de haber seguido a Burden en la creación de nuevas obras en su estudio y con acceso a su archivo personal de imágenes, videos y grabaciones de audio, BURDEN es el primer largometraje documental para explorar a fondo la vida y obra de este artista.

 

Los directores Timothy Marrinan y Richard Dewey buscan en las obras y la vida privada de Burden con una innovadora mezcla de stills y potentes videos de sus performances de los ’70s, videos personales y grabaciones de audio, amigos, compañeros estudiantes y colegas, comentarios de críticos (incluyendo el de un joven Roger Ebert) y las últimas imágenes en su estudio de Topanga Canyon, todas salpicadas de sus pensamientos y reflexiones a través de los años. BURDEN explora meticulosamente un individuo complejo y en constante evolución que se convirtió en uno de los artistas más admirados de su generación.”

 

Desde el 5 de Mayo en cines en USA, Amazon Video y iTunes.

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El pasado Viernes 24 de Febrero, a Juan García Mosqueda, fundador de la galería y espacio de residencia Chamber NYC, le fue negada la entrada a Estados Unidos de regreso desde Buenos Aires, ciudad de origen del curador.

Mosqueda ha vivido por los últimos diez años en New York, lugar donde está ubicada la galería, que se ha instalado como un pequeño laboratorio expositivo, de investigación y creación.

Ayer Martes 28 de Febrero de 2017, publicó y relató por redes sociales la delirante y horrible experiencia:

 

“Queridos amigos, este pasado Viernes 24 de Febrero de 2017, fui negado de entrar a Estados Unidos – nación donde he estado viviendo como residente legal por los últimos diez años. El procedimiento fue deshumanizante y degradante en cada paso. Después de ser escoltado por los inspectores locales secundarios, fui llevado a una sala donde fui interrogado bajo juramento y amenazado con la posibilidad de ser prohibido de entrar al país por cinco años. El oficial de patrulla fronteriza me negó el derecho a asesoramiento jurídico, alegando arrogantemente que los abogados no tenían jurisdicción en las fronteras. Poco después de que mi declaración jurada fuera entregada al oficial principal a cargo, me informaron que no se me permitía entrar al país y, por lo tanto, se verían obligados a regresarme a Buenos Aires más tarde esa misma noche. Durante estas dolorosas catorce horas, me prohibieron usar cualquier medio de comunicación y no tuve acceso a ninguna de mis pertenencias, que fueron examinadas sin ninguna orden de arresto.

 

Me privaron de comida. Fui examinado tres veces para ir al baño, donde no tenía privacidad y estaba bajo vigilancia constante de un oficial. Finalmente, fui escoltado por dos oficiales armados directamente al avión, siendo retenidos mis documentos hasta que llegué a mi destino, Buenos Aires. Esta pesadilla de treinta y seis horas no es más que la clara evidencia de un sistema de inmigración profundamente defectuoso en Estados Unidos, llevado a cabo por una administración que está más interesada en expulsar a las personas que en admitirlas. Me educaron en América, trabajé en prestigiosas entidades de diseño, y ahora, como ustedes saben, tengo una galería que emplea a estadounidenses y no estadounidenses de igual manera. CHAMBER apoya estudios de arquitectura y diseño en los Estados Unidos y en el extranjero. Tengo varias propiedades en New York y he colaborado en numerosos proyectos con arquitectos, contratistas y trabajadores de construcción para llevar a cabo proyectos alrededor de la ciudad. Hemos creado una red dentro de las industrias creativas que abarcan todas las disciplinas y los medios de comunicación que ayudan a las personas a mantener sus prácticas y hacer lo que aman.

 

Estamos orgullosos de llevar la bandera de Nueva York a cada feria que hacemos y cada proyecto que iniciamos a lo largo del mundo. Auto-publicamos libros impresos en los Estados Unidos. E, innecesario decir, pagamos impuestos federales y estatales considerables que ayudan a financiar muchos de los aspectos sociales que alimentan el motor americano. Aunque yo no soy un ciudadano estadounidense, Chamber es un producto americano que espero pueda aportar al escenario cultural del país. La galería fue concebida alineada con la misma idea de inclusión que se encontró en las calles del Lower East Side (donde vivo y se me negó el acceso hace unos días) no hace mucho: un crisol de todas las nacionalidades y religiones , importando ideas del extranjero a una metrópoli culturalmente abarcadora. Hemos trabajado con más de 200 artistas y diseñadores, desde Tokyo hasta Los Ángeles, de Ámsterdam a Santiago, en nuestros menos de tres años de existencia y dependemos en gran medida de la movilidad social para transmitir nuestro mensaje y mostrar las obras que queremos mostrar.

 

A mis amigos estadounidenses, les pido que se comuniquen con sus congresistas y que presionen por una reforma migratoria. Impulsar un sistema que no enajene, intimide y intimide a los extranjeros, sino que, por el contrario, da la bienvenida y alienta a los ciudadanos de todos los países a querer seguir invirtiendo y contribuyendo a su maravilloso país. Este jueves no podremos celebrar la inauguración de nuestro nuevo programa, “Domestic Appeal”, donde mi equipo y yo trabajamos muy duro para llevar a cabo, y no podremos conocer a algunos de los increíbles participantes que viajan a Estados Unidos para estar orgullosos de exhibir sus creaciones en una de las ciudades culturalmente más relevantes del planeta. Por favor, vayan a verla, tomar una copa de vino, y disfrútenlo por mi. Espero verlos pronto.

Juan García Mosqueda”

 

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Material Art Fair es una feria de arte contemporáneo que se lleva a cabo en México, instalándose como una instancia y encuentro para espacios alternativos artísticos o que presenten propuestas más radicales que las ferias convencionales.

Este año 2017 la 4a edición de Material Art Fair tomará lugar del 9 al 12 de Febrero de 2017. La feria se realizará nuevamente en EXPO REFORMA, un centro de convenciones ubicado en la colonia Juárez de la Ciudad de México, un barrio céntrico, cercano al corazón financiero además del Centro Histórico, y las colonias Roma y Condesa.

Material Art Fair 2017 está presentando 53 galerías, espacios sin fines de lucro, y proyectos independientes, provenientes de 17 países y 30 ciudades, todos elegidos cuidadosamente por un comité de selección.

El espacio expositivo e investigación experimental chileno Sagrada Mercancía está por primera vez presente, con “Fiebre”, incluyendo trabajos de los artistas Pablo Concha, Matías Solar y Adolfo Bimer, uno de los fundadores de SM.

 

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La artista cubana Tania Bruguera, conocida también por su fuerte labor como activista por los derechos humanos, pidió a fines de la semana pasada retirar su obra “Cabeza Abajo/Head Down” de la muestra “Wild Noise” (Ruido Salvaje) en el Museo de Arte del Bronx, que es la segunda parte de la misma muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.

 

Esta exhibición estaría compuesta por obras prestadas por el mismo museo de La Habana, ya que en el 2015 desde el Bronx viajaron más de 80 obras a Cuba, favor que se suponía devolverían para esta muestra. Pero las autoridades del país impidieron que las obras salieran para Estados Unidos y se retiraron del acuerdo para tal préstamo.

 

Frente a esto el Museo del Arte del Bronx, tuvo que acudir a colecciones de arte cubano que estuvieran fuera de ese territorio, para suplantar más de 60 piezas en la muestra en Estados Unidos.

Las autoridades cubanas no solo no dejaron salir las piezas del territorio, sino que además negaron la entrada a la artista a Cuba para ver la primera parte de la exhibición.

 

El Museo del Bronx reconfiguró la exposición para exponer obras de Ana Mendieta, Kcho, Los Carpinteros, Wilfredo Prieto y la misma Tania Bruguera, pero después de enterarse  de que las obras de La Habana no viajarían, la artista se retiró en señal de protesta.

 

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Hace 72 años nació la artista conceptual Barbara Kruger.

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La artista británica Sarah Maple fue catalogada a fines del pasado 2016, como una de las artistas feministas que definitivamente debieras conocer, y que propone nuevas perspectivas del feminismo hoy.

La obra de Maple, pinturas, fotografías, performance, mixed media y video art, abordan las diferentes ideas de identidad, pudiendo ser religiosas, sexuales o de género. Explora las nuevas fricciones que se dan entre estas temáticas, que debieran estar obsoletas, pero sin embargo sigue muy presentes hoy.

En uno de sus últimos trabajos en el 2015, Sarah Maple creo la “Anti Rape Cloak” (Capa Anti Violación). Un objeto performático que nació desde el pedido de la residencia The Sisters of Perpetual Resistance” a crear un elemento de disconformidad y molestia. Así la artista, viajó con su capa por diferentes lugares y se retrató a si misma en variadas locaciones y situaciones.

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Este 20 de Enero de 2017 es el día que Donald Trump asumirá como Presidente de Estados Unidos, y como reacción de disconformidad frente a eso, un grupo de artistas, organizaciones, museos y galerías llamaron a organizar un paro en las artes y otras actividades que puedan reflejar y reflexionar en torno a este suceso.

 

El llamado de J20 Art Strike es a no trabajar, no ir a clases, y no hacer negocios. Museos, galerías, teatros, estudios, escuelas de arte estarán cerradas por ese día. Y sin duda que el llamado es tomarse las calles también.

 

Pero este paro va más allá del campo artístico. Se hace en solidaridad con la demanda nacional de que a contar del 20 de enero, las empresas no procedan como de costumbre en ningún ámbito.  Esta huelga de arte es una táctica entre otras para combatir la normalización del trumpismo -una mezcla tóxica de supremacía blanca, misoginia, xenofobia, militarismo y regla oligárquica. Como cualquier táctica, no es un fin en sí mismo, sino una intervención que se ramificará en el futuro. No es una huelga contra el arte, el teatro o cualquier otra forma cultural. Es una invitación a motivar nuevamente estas actividades, a reimaginar estos espacios como lugares donde pueden producirse formas resistentes de pensar, ver, sentir y actuar.

 

Algunos de los artistas que se han sumado a la J20 Art Strike son Julieta Aranda, Allora & Calzadilla, Coco Fusco, Barbara Kruger, Marilyn Minter, Richard Serra, Cindy Sherman; críticos como Hal Foster y Octavio Zaya. Entre los museos y galerías estarán Sculpture Center, Queens Museum, Whitney Museum, New Museum, Salon 94, Lisson Gallery y Bitforms Gallery.

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No Horizon es una muestra de videoarte que será inaugurada el 5 de enero, 2017 en el Planetario Chile de la Universidad de Santiago de Chile y en el Robert H. Goddard Planetarium en Nuevo México, EEUU.

El programa comprende 15 videos y animaciones de renombrados artistas visuales de Chile, EEUU, Islandia y Corea que serán presentados en una sesión de aproximadamente una hora y media.

La iniciativa nace como una invitación a mirar el cielo e imaginar nuevas formas de civilización y de orden natural. A través de las ideas de estos videoartistas, No Horizon propone re-configurar nuestro entorno, borrar los límites entre lo ficticio y lo real capturando el misterio, los destellos, la especulación, la paranoia y el vértigo de descubrir algo nunca antes visto.

 

Angela Dufresne / Claire Bidwell / Claudia Bitrán / Cristóbal Cea / Enrique Flores / Evan Mann / Francisca García / Iván Navarro / Jonathan Ehrenberg / Kolbeinn Hugi / Laura Bernstein / León & Cociña / Lilly McElroy / Paz Ortúzar / Youkyung Choi

 

5 de Enero 2017- 6:00pm
Robert H. Goddard Planetarium, Roswell, NM, USA
Roswell Museum & Art Center, 100 West 11th Street
www.roswellmuseum.org

5 de Enero 2017*– 6:30pm
Planetario Chile, Universidad de Santiago de Chile
Sala Newton, Av. Libertador Bernardo O’Higgins 3349
www.planetariochile.cl
Hasta el 8 de Enero

 

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La Kochi-Muziris Biennale es la exhibición de arte contemporáneo realizada en Kochi, Kerala, siendo la primera Bienal en India. Kochi-Muziris Biennale es una iniciativa de Kochi-Biennale Foundation , que es apoyada por el Gobierno de Kerala. Las exhibiciones están dispuestas a través de Kochi, Muzziris y otras islas a su alrededor, participando galerías, halls, site-specific, instalaciones en el espacio público y otros edificios y estructuras en desuso.

 

Para la versión 2016, el poeta y artista chileno Raúl Zurita, presenta “Sea of Pain” , poema- instalación que recuerda a las víctimas de la crisis Siria y a Alan Kurdi, el niño de 3 años que apareció en una playa de Turquía, imagen que se transformó en una de las más pregnantes y significativas del pasado 2015, y de la crisis de refugiados que se está desarrollando en todo el globo. “Sea of Pain” quiere develarnos una vez más lo que cada día sucede ante nuestros ojos, pero donde el exceso de imágenes e información las vuelven muchas veces con un significado flotante, siendo necesario recordar y patentizar realidades que parecieran tan lejanas desde una cultura otra. La instalación está emplazada en el lugar principal, la Aspinwall House, siendo uno de los trabajos más impresionantes de la Kochi-Muziris Biennale.

 

Kochi-Muziris Biennale
12.12.16 – 29.3.17

 

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That’s Desire / Here We are EP es el nuevo Visual Album de Fragile. Dirigido y fotografiado por Wolfgang Tillmans, este film de 27 minutos cuenta con las performances de Hari Nef, Karis Wilde, Ash B., Matthew Salinas, Bashir Daviid Naim, Rachel Guest, Christopher Olszewski y él mismo, así como los miembros de la banda Juan Pablo Echeverri, Kyle Combs, Tom Roach y Daniel Pearce.

Los invitados bailaron e improvisaron en Los Ángeles y Nueva York, sin antes conocer la música. Mientras se editaba la grabación con Michael Amstad en Berlín, quedó claro, que lo que se planificaba en un principio como seis videos individuales, no debería ser separado, sino que debería permanecer como una sucesión consecutiva de seis estados de ánimo diferentes.

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La cultura audiovisual integrada a la escena musical existe desde el principio de la historia del cine, cuando en las proyecciones de cine mudo, en general un pianista, violinista u otro músico interpretaba la emocionalidad de las películas en vivo. Es justamente este factor el que caracteriza el híbrido música e imágenes hoy en día, la puesta en escena en vivo y a tiempo real de disciplinas integradas que entregan una poderosa experiencia a un público cada vez más exigente.

En Vj Santiago | Visualistas y músicos se integran en una muestra de realizadores potenciando la unión de ambos contextos creativos, un campo híbrido, unificado por el arte y la música. El proyecto, incubado en la Corporación Chilena de Video, propone la agrupación abierta de artistas del video, programación creativa y perfomance audiovisual de Santiago, con la intención de ampliarlo al resto de Chile en el futuro, integrando a una comunidad ampliada de realizadores musicales y audiovisuales.

Este  Sábado 17 de Diciembre se realizará la tercera versión de VJ Santiago, en la cual participaran C-UFOS: JotaCapsula + GioVolta, Iñaki Muñoz vs Mika Martini, Acrobatics, Aguilas Paralelas, Elisita Punto + VJ Juan Saez y Agnes Paz con una presentación de theremin; como DJ invitada estará Andrea Paz. En las instalaciones MOVED y Nekko blu.

 

VJ STGO – Tercera Edición
Sábado 17 de Diciembre de 2016, 19.30-01.00 hrs.
Pendiente | Mil M2
Dirección: Av. Italia 792, 4to y 5to piso
Fecha: Sábado 17 de Diciembre
Entrada $2000.-

 

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En el último tiempo, la obra de Juan Castillo pareciera formarse de narrativas sociológicas de los distintos individuos de un contexto geográfico o cultural. Si bien estas narrativas vienen del espacio de la nostalgia y el anhelo, nunca se desenmarca de las fricciones de la desterritorialización, donde la alienación por distintos motivos de los individuos dentro de su estructura produce un cierto tipo de fractura social.

“El Collage Social” es una intervención de Castillo en el espacio público en colaboración con la Brigada Chacón, que se realizó este pasado 3 de Diciembre de 2016.

Hoy Lunes 12 de Diciembre a las 19.30 hrs será la inauguración del registro de la acción junto a otros trabajos del mismo artista en Galeria Macchina.

 

“El Collage Social” – JUAN CASTILLO
Curaduría: Andrea Pacheco
13 de Diciembre 2016 – 20 de Enero de 2017
Galería Macchina, Escuela de Arte UC, Campus Oriente
Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia, Chile

 

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Hoy  Jueves 1 de Diciembre de 2016, desde las 19:00hrs. en el Espacio O Centro de Arte Contemporáneo se lanzará la plataforma VADB – arte contemporáneo Latinoamericano.

VADB es una comunidad que archiva y relaciona información sobre obras, personas, organizaciones, eventos y publicaciones. VADB está basado en un modelo de vinculación de contenidos que organiza información sobre prácticas artísticas, relacionales y discursivas; tanto institucionales como autónomas.

Toda la información incluida en la plataforma es de carácter abierto y puede ser utilizada con fines de investigación, difusión, debate y pedagogía. La comunidad VADB está compuesta actualmente por más de 700 personas provenientes de más de 15 países que trabajan en producción de arte contemporáneo como también a la teoría, la crítica, la historia del arte, la curaduría y la pedagogía.

Para el lanzamiento, se desarrollará una jornada de conversación y debate donde se revisarán las formas de producción y circulación de obras de arte contemporáneo, cómo se establecen relaciones y se toman decisiones para organizar las ideas sobre la escritura y la construcción de la historia del arte.

 

Jueves 1 de Diciembre – 19.00 hrs.
Espacio O Centro de Arte Contemporáneo
Villavicencio 395, Barrio Lastarria, Santiago

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Hoy viernes 25 de noviembre de 2016, desde las 19:00hrs. en el Centro Cultural General San Martín (Buenos Aires, Argentina)  se lanzará la plataforma VADB – arte contemporáneo Latinoamericano.

VADB es una comunidad que archiva y relaciona información sobre obras, personas, organizaciones, eventos y publicaciones. VADB está basado en un modelo de vinculación de contenidos que organiza información sobre prácticas artísticas, relacionales y discursivas; tanto institucionales como autónomas.

Toda la información incluida en la plataforma es de carácter abierto y puede ser utilizada con fines de investigación, difusión, debate y pedagogía. La comunidad VADB está compuesta actualmente por más de 700 personas provenientes de más de 15 países que trabajan en producción de arte contemporáneo como también a la teoría, la crítica, la historia del arte, la curaduría y la pedagogía.

Para el lanzamiento, se desarrollará una jornada de conversación y debate donde se revisarán las formas de producción y circulación de obras de arte contemporáneo, cómo se establecen relaciones y se toman decisiones para organizar las ideas sobre la escritura y la construcción de la historia del arte.

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La calma y premura con respecto al movimiento en los 60’s y 70’s, dio paso a la disipación del feminismo, para alejarlo del esencialismo con el que se trató antes. Se puede situar desde la década del 90 hasta hoy, actuando desde distintas esferas y motivaciones. Se reconoce que no se puede tomar la teoría por los caminos radicales que alguna vez se tomaron, reconociendo que es imposible determinar a la mujer; cada una es única y diferente. Se influencia por las ideas de la construcción o “performatividad” del género, donde todos los individuos somos libres de construir nuestras identidades, y representarlas como se desee. Tiene como campos de acción y expresión la política, los movimientos antiraciales, y los que abogan por la igualdad y respeto de minorías sexuales. Si bien anteriormente el movimiento se presentó reacio a la aceptación de las nuevas tecnologías, al propiciar y difundir el capitalismo, es hoy en día que el espacio virtual de la web ha permitido el encuentro y tránsito de las ideas y las acciones más que nunca, y este nuevo espacio y práctica tecnológica cultural es lo que hoy se conceptualiza como “ciberfeminismo”.
El ciberfeminismo se conforma como un espacio de comunión digital para las ideas y acciones más que las políticas propiamente tal. En cierta medida el quehacer político feminista hoy en día tiene que ver con grupos que actúan desde la disconformidad frente a determinadas situaciones o hechos, como puede ser Femen, Guerrilla Girls o Pussy Riot. El ciberfeminismo se identifica en primera instancia con prácticas culturales que vienen de distintos campos de desarrollo y acción que convergen y difunden por medio de las nuevas tecnologías e Internet.
Para Sadie Plant, escritora e investigadora británica, el ciberfeminismo se define como “Una cooperación entre mujer, máquina y nuevas tecnologías. La relación entre la tecnología de la información y la liberación de la mujer viene de antiguo.
En 1991 se formo VNS Matrix, el primer grupo ciberfeminista, que usaban el arte y los nuevos medios para las acciones y declaraciones. Experimentaban con la tecnología para redefinir las identidades femeninas, y deconstruir las representaciones masculinas.Se comienzan a usar servidores alternativos para el encuentro virtual de las mujeres, y en 1993, se crea la Asociación para el Progreso de las mujeres en el mundo. Desde acá los grupos relacionados a la asociación comienzan sus acciones y trabajo en la red.
Por ejemplo en 1995, en la IV Conferencia Mundial de Mujeres, en Pekín, China, las mujeres pudieron tener acceso on line al encuentro, y donde anteriormente se organizaron los temas y opiniones por la página web, que contabilizó más de 100.000 visitas. Se planteó el derecho de la mujer a las comunicaciones como plataforma y estrategia clave para los cambios políticos y sociales.
Más tarde el 1997 en el marco de Documenta X, se organiza el Primer Encuentro Internacional Ciberfeminista, donde se declara el manifiesto ciberfeminista que se declara en 100 sentencias que se refieren a lo que el ciberfeminismo no es.
Porque no se puede definir bajo conceptos políticos o declaraciones al tratarse más bien de un campo de acción y difusión de una nueva lucha feminista, el lugar virtual de reunión de las mujeres que antes tenían que juntarse para planear sus acciones. Se refiere a un desenvolvimiento activo dentro de la sociedad, y las nuevas tecnologías han permitido estos encuentros. Y aún más la new media ha sido también la que ha posibilitado el registro, información y comunicación global de lo que está ocurriendo y las acciones llevadas a cabo. Así es como en estos días, hemos podido ver las acciones y protestas de Femen, y como se ha ido desenvolviendo el caso de las Pussy Riot.
Tanto en Europa, como América y África se han desarrollado plataformas que, atendiendo al hecho de que los feminismos hoy en día no se marginan exclusivamente a las temáticas de la segunda ola, fomentan el espacio de acción social y cultural, como por ejemplo el sitio africano francófono, Famafrique, impulsando el desarrollo y formación.
El ciberfeminismo recupera el campo de acción política que siempre se quiso, pero poniendo a las mujeres como agente activo dentro de la sociedad, donde se alienta al crecimiento de ellas como seres sociales, y que permite el espacio de comunicación y acción entre ellas y para el resto desde las nuevas tecnologías. Es comunión de la new media y las mujeres para mejorar las prácticas sociales y culturales.

 

Por Carolina Martínez Sánchez

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Imágenes © Carolina Martínez Sánchez 2014

 

“Mi casa es su casa”. Moderno: El Arte De Vivir, Desde Josef Albers un Cecilia Vicuña, es una exposición curada por Kandor13 y Pablo Jansana, que tendrá lugar en Kolonie Wedding, Rosalux and OkkRaum29, Berlín, Alemania. La muestra incluye 13 artistas procedentes de diferentes latitudes.

El proverbio “Mi casa es su casa” define la casa como un espacio para ser compartida, como un reflejo de la hospitalidad y carisma. Por lo tanto, aparece como una frase problemática cuando se lee a la luz del intercambio cultural; poniendo a disposición lo que es propiedad y el concepto de apropiarse de lo que es de otros. La línea central de este proyecto es indagar sobre la hospitalidad entre los espacios y actores de diferentes orígenes como una forma de producción centrada en la apropiación e intercambio. Una cuestión de autoría, derechos internacionales de propiedad y derechos de autor que se materializan en objetos sociales y las dinámicas que existen en una red de influencias transculturales.

Para ilustrar esta idea, Kandor13 trazó un espectro de tiempo entre dos obras: una silla que parece un diseño del arquitecto mexicano Luis Barragán, pero que está firmado por el artista Josef Albers (una referencia del modernismo), producida por Clara Porset (un diseñador cubano) y ahora está en la Fundación Josef Albers en Conneticut, EE.UU. Esta silla revela una larga cadena de diálogo e influencia de diferentes culturas con respecto a la hospitalidad. El segundo trabajo es “Leonora Carrington y el viento de los muertos”, de la artista chilena Cecilia Vicuña. En este video, que fue producido específicamente para esta exposición, Cecilia aparece en su jardín describiendo cómo conoció a la artista surrealista Leonora Carrington, que se convertiría en una referencia ineludible para sus pinturas. Desde las diferencias de estas dos obras, los artistas de Kandor13 producen un trabajo especial sobre este tema, creando un nuevo diálogo con piezas producidas con anterioridad.

28 de Octubre – 20 de Noviembre de 2016
Rosalux: Wriezener Str. 12 13359, Berlin
OKK/Raum29: Prinzenallee 29 13359, Berlin

PARTICIPATING ARTISTS
Alejandro Almanza Pereda / Mexico
Balam Bartolomé / Mexico / France
Jacobo Castellano / Spain
Catherine Czacki / USA
Brock Enright / USA
Andrea Galvani / Italy / Mexico / USA
Daria Irincheeva / Russia / USA
Pablo Jansana / Chile / USA
Esperanza Mayobre / Venezuela / USA
Lars Laumann / Norway
Santiago Reyes Villaveces / Colombia / UK
Carolina Saquel / Chile / Francia
Cecilia Vicuña / Chile / USA

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La artista suiza Pipilotti Rist es conocida por su fascinante y peculiar trabajo en el video arte, siendo pionera en este tipo de instalaciones multimedia. Sus piezas audiovisuales tienen un carácter deconstructivo de lo que diariamente nos rodea, y es en su re ensamblaje donde logra construir un nuevo significado, que generalmente se nos presenta como un provocativo caleidoscopio.

Estéticas y narrativas que se convierten en experiencias sensoriales y de ahí al cuestionamiento de lo que Rist nos manifiesta. El espectador siempre juega un rol en su trabajo, está en él responder a lo inesperado y completar las obras y narrativas insertas dentro de una conversación que puede llegar a integrar temas políticos, sociales y culturales.

Ocupando los tres pisos principales del museo, “Pipilotti Rist: Pixel Bosque” es la más grande exhibición de la obra de Rist en Nueva York hasta la fecha. Incluye trabajos que abarcan toda la carrera de la artista, desde sus primeros videos monocanales de la década de 1980, que exploran la representación del cuerpo femenino en la cultura popular, hasta sus más recientes instalaciones de vídeo, que transforman los espacios arquitectónicos en ambientes oníricos mejorados por hipnóticas partituras musicales. Con una nueva instalación creada específicamente para esta muestra, la exposición también revela las conexiones entre el desarrollo del arte de Rist y la evolución de las tecnologías contemporáneas. Que van desde la pantalla de televisión a la del cine, y desde la intimidad del smartphone a la experiencia comunitaria de imágenes inmersivas y paisajes sonoros, gráficos de esta encuesta las formas en que la obra de Rist fusiona lo biológico con la electrónica en el éxtasis de la comunicación, demostrando las maneras en las que la obra de Rist fusiona lo viológico con lo electrónico en el éxtasis de la comunicación.

 

PIPILOTTI RIST : PIXEL FOREST
26 de Octubre de 2016 – 15 de Enero de 2017
Curaduría por Massimiliano Gioni
New Museum, New 235 Bowery, New York, NY 10002

 

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El artista visual chileno Enrique Ramírez, actualmente viviendo en Paris, y que se ha dedicado al video arte, está presentando su segundo solo show en la Galerie Michel Rein en París.

“La Gravedad” es el título de la muestra, donde si bien se podrían entender muchas cosas desde sus diversos significados, apela a la fuerza de atracción que es.

Cuando el artista lanza trozos de papel negro en un cielo claro y transparente, esta fuerza está en el trabajo que los hace caer de nuevo al suelo – ligero, frágil, vaporoso. De la misma forma, cuando se juega a lo contrario, él ilumina pequeños papeles blancos sobre el fondo de una negra noche, creando un contraste aún más hipnótico. “Para mí, estos papeles son como almas lanzadas hacia el cielo, ideas, contestaciones, voces silenciosas (que se han hecho en silencio), que también evocan el aspecto esférico del mundo, la noche que reina aquí, mientras es de día en otro lugar” .

Con esto al artista reflexiona acerca de la circularidad del tiempo y el “eterno retorno”, en referencia a la naturaleza cíclica de las cosas que causan eventos que se repiten una y otra vez, hagamos lo que hagamos para detener esta repetición.

Es, sin duda, esta fuerza que da la mayoría del poder de su trabajo: la de la gravedad de nuestro tiempo presente, sin futuro próximo, el de una humanidad incapaz de comprender y aprender de los errores (y horrores) del pasado, inexorablemente avanzando hacia el daño y una existencia vacía e insignificante. Sin embargo, el arte parece negarse a resignarse y las obras de Enrique, como cualquier trabajo, recurren a imágenes altamente poéticas, involucrando al espectador con su su mirada y pensamientos.

De esta manera, una vez más, las obras de Enrique Ramírez homenaje no sólo su poder argumentativo y su capacidad de proporcionar apoyos que estimulan el poder del pensamiento, pero sobre todo su innegable capacidad de hablar la política.

 

Extracto del texto de Florencia Battiti

 

La Gravedad – Enrique Ramírez
20 de Octubre – 17 de Diciembre, 2016
Galerie Michel Rein, 42 rue de Turenne 75003 París, Francia

 

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Desde el 18 de Octubre hasta este Domingo 23, tiene a lugar la segunda versión de Paris Internationale, llevada a cabo en el Hôtel Particulier Iéna en la 51 Avenue, un palacio construido en 1897, conocida como la residencia parisina del destacado coleccionista de arte Calouste Gulbenkian. Durante estos días, la mansión de cuatro pisos, que se extiende por más de 3.000 m2, será el anfitrión de más de 61 artistas, 54 galerías y 7 proyectos provenientes de 21 países. Haciéndose eco de las identidades plurales de los participantes, el edificio contará con un mosaico de habitaciones con características sorprendentemente específicas. En respuesta a la situación actual de las ferias de arte en lo que respecta tanto a su producción y recepción, París Internationale es una iniciativa en conjunto de 5 galerías emergentes; Crèvecoeur, High Art, Antoine Levi, Sultana y Gregor Staiger, esto como un intento colaborativo para desarrollar un modelo apropiado para el impulso de nuevas iniciativas avanzadas en el arte contemporáneo.

La presencia latinoamericana es muy poca en esta versión, por eso destacamos la participación de la galería mexicana Proyectos Monclova, con trabajos de Adrien Missika, Gabriel de la Mora y Martín Soto Climent.

El evento además, se está alzando como una propuesta que da la bienvenida al recambio de generaciones tanto de artistas, galerías, y otros gestores culturales, respondiendo a los propios cambios del contexto donde la “desterritorialización” parece comandar los nuevos modelos de producción y pensamiento.

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“Esta exposición es la primera, después de la muestra en el Guggenheim, que tiene más de tres de mis obras: se trata de una edición especial de cosas que he hecho antes de retirarme. Podríamos decir que se trata de show post-réquiem, donde, al igual que en una novela de Poe, estoy fingiendo estar muerto, pero aún puedo ver y oír lo que sucede alrededor “.
-Maurizio Cattelan

 

Not Afraid of Love – Monnaie de Paris
Maurizio Cattelan
21 de Octubre de 2016 – 8 de Enero de 2017
Curaduría: Chiara Paris

 

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“Modos de Ver” (Ways of Seeing) es el libro de John Berger, donde el autor analiza el régimen escópico, siendo el contexto de una sociedad y cultura la que determina los regímenes visuales imperantes, y que van definiendo las correspondientes formas de asimilación de lo que vemos: percepción e interpretación. “Modos de ver” tuvo además su versión televisa, en una serie de documentales de la BBC en 1972.

 

Lorna Mills, artista visual con un cuerpo de obra que trabaja con redes culturales que responden a las nuevas tecnologías realiza en el 2014 un remake de esta serie, “Modos de Algo” (Ways of Something). La pieza consiste en una serie de videos de 1 minuto realizadas por más de 30 artistas miltimediales basados en internet, que se sirven del 3D, renders, gifs, film remix o webcam performances, para describir la delirante producción de arte en la era postinternet.

 

“Modos de Algo” se estará exhibiendo en el Whitney Museum de New York dentro de la muestra “DREAMLANDS: IMMERSIVE CINEMA AND ART, 1905–2016”, desde este 28 de Octubre hasta Febrero del 2017.

 

La exhibición se centra en las formas que los artistas han desmantelado y re ensamblado las convenciones del cine, las formas de proyección y métodos de crear oscuridad, para crear nuevas experiencias de la imagen en movimiento.

“DREAMLANDS” reúne a más de un siglo de trabajos con obras de artistas y realizadores audiovisuales, incluyendo instalación, ambientes 3D, escultura, performance y proyectos interactivos, incluyendo a Trisha Baga, Ivana Bašić, Frances Bodomo, Dora Budor, Ian Cheng, Bruce Conner, Ben Coonley, Joseph Cornell, Andrea Crespo, François Curlet, Alex Da Corte, Oskar Fischinger, Liam Gillick, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Alex Israel, Mehdi Belhaj Kacem y Pierre Joseph, Aidan Koch, Lynn Hershman Leeson, Anthony McCall, Josiah McElheny, Syd Mead, Lorna Mills, Jayson Musson, Melik Ohanian, Philippe Parreno, Jenny Perlin, Mathias Poledna, Edwin S. Porter, Oskar Schlemmer, Hito Steyerl, Rirkrit Tiravanija, Stan VanDerBeek, Artie Vierkant, y Jud Yalkut, entre otros.

 

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